Teatro y Cine

Un gobierno en funciones no puede aprobar la ley Sinde

2011-12-02T09:08:00.000+01:00

Hoy verás este texto en decenas de blogs. Si estás de acuerdo con él, reprodúcelo donde consideres oportuno.

Ante la previsible aprobación de la polémica “Ley Sinde”, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de Internet seguimos manifestando –como hicimos en el Manifiesto de 2 de Diciembre de 2009- nuestra firme oposición a una norma que incluye modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet.

En principio no parece de recibo que un Gobierno en funciones adopte esta decisión en su último o uno de sus últimos Consejos de Ministros. Sería doblemente grave que se confirmaran las presiones ejercidas por EEUU, a través de su embajada en Madrid, como revelaron los cables de Wikileaks.

En todo caso insistimos en estos razonamientos:

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

ANOTHER YEAR - Lo contrario a Almodóvar

2011-10-17T18:48:00.000+02:00

A buen entendedor...

FRANK

Peliculón en la plaza

2011-05-21T19:33:00.003+02:00

VERANEANTES - El cuadrilátero de la vida

2011-05-07T18:44:00.006+02:00

Los veraneantes entran en el cuadrilátero, para dar y recibir, algunos reciben, otros dan, y otros golpean y encajan. Sólo faltan los guantes de boxeo. Es la vida, una lucha. No con puñetazos, claro, o, al menos, sólo excepcionalmente, somos seres civilizados (?), sino con palabras, con mala baba, incluso con buenas intenciones, a veces. Pim, pam, pum, golpes, golpes, y el verano transcurre entre fiestas, siestas, canciones del verano, hastío, cubatas, playa y, al final, tormentas.

Veraneantes me ha recordado en muchos momentos a esas películas de Rohmer en las que un grupo de gente corriente pasa un periodo de tiempo en compañía mutua y parece que no pasa nada, como si el tedio estival detuviera el mundo. Pero no. El alma humana no se puede detener, su actividad prosigue a pesar de los vanos intentos de las personas que tratan de impedirlo, que desean que su alma entre en estado de coma y recurren a las drogas, al alcohol, a la homeopatía, a remedios espirituales, a un continuo entrenamiento durante años, a tomarse todo a broma... No hay escapatoria. El mundo gira, el verano pasa y el alma persiste. No reconocerlo tal vez sea uno de los mayores errores de la humanidad.

Dentro de un elenco de tan alto nivel, Israel Elejalde es capaz de destacar. Impresiona, más bien. El resto, con un par de excepciones (¿para qué señalarlas dentro de un nivel general tan alto?) , ofrecen buenas interpretaciones. También la puesta en escena, la estructura y el ritmo de la obra funcionan. El director, Miguel del Arco, ha hecho un meritorio trabajo.

Pero, ay, al final, la obra se alarga innecesariamente. Después de dos horas en las que se ha sabido explicar, y además perfectamente encajado en la trama argumental, de forma sutil y con momentos de humor, lo que piensa cada personaje, lo que sienten, en fin, sus conflictos internos y externos, se termina con algunos discursos largos, demasiado expositivos y totalmente innecesarios. Se perdonan después de lo disfrutado hasta entonces, pero impiden que Veraneantes sea un montaje redondo.

En todo caso, visto el panorama actual, una obra muy recomendable.

FRANK

Información sobre la obra aquí.

INSIDE JOB - Es la luna, imbécil

2011-04-29T20:48:00.006+02:00

La televisión iba a servir para educar al pueblo, pero sirvió únicamente para narcotizarlo. Si el cine de Hollywood utiliza su potencia narrativa al servicio de la pedagogía o la crítica política en lugar del panfletismo imperial les sale Inside Job. Ni más ni menos.

Inside Job es un documental sobre los mecanismos íntimos de la crisis financiera del 2008, la de ahora. Es un docu de alta calidad en lo visual, o sea, hecho en Hollywwod, narrado por Matt Damon y servido como si se tratase de un thriller al uso, con los mejores recursos de imagen posibles, con flashbaks, esquemitas clarísimos para que nadie se pierda y música cardíaca para organizar las emociones. Puro Hollywood documental.

Es ideológico en cuanto que aparecen unos tipos que resultan ser bastante malos, digamos los principales causantes de la crisis, y otros menos malos que denuncian y proponen soluciones. Pero esencialmente, no es ideológico, virtud principal del producto, que simplemente explica lo que creo que se ha convertido en consenso global acerca de las causas del super crash: desregularización del sector financiero de los USA, hipotecas basura, sistemas de calificación corruptos, incentivos astronómicos a los agentes y profunda penetración del sector en la autoridades políticas. O sea, lo normal, el mecanismo habitual del propio sistema.

En el ámbito de lo humano (que otro si no), nada puede ser incomprensible o inexplicable, ni el funcionamiento de un avión, ni una teoría científica, simplemente porque están pergeñados por humanos, de manera que si dicen que la crisis financiera es muy complicada o incomprensible para el gran público simplemente te están levantando la camisa. Puesto que el origen de la crisis es más o menos el tocomocho, una gran pirámide de Ponzi, o sea un timazo, se puede explicar y comprender de maravilla. No creo que sea fácil encontrar voces o explicaciones alternativas o disidentes, salvo de los que han pillado a saco, claro, que te dirán que esta crisis es muy difícil de comprender.

Boyero dice que el docu le acojonó y Santos Juliá que nada nuevo bajo el Sol, el caballero de las barbas, Marx, ya nos dejó apuntado que el poder político y el financiero eran siameses. A Carlos le encantaría haber visto este docu y quizás hubiera pensado que la cosa es más grave de lo que él creía.

De todas formas se trata de un docu yanki, así que el narrador habla como lo haría un niño al que se le ha roto su juguete y busca una avería, un problemilla, un error en su mundo feliz con esa bendita candidez zangolotina de los americanos con gorras de béisbol. Vamos que la palabra capitalismo no aparece, evidentemente nadie se plantea que quizás sea una consecuencia estructural, esencial, imperativa del propio sistema. Nadie grita aquello de ¡es la luna imbécil! Estos chicos no son bolcheviques.

Lo más bonito de ver, han de saberlo, es que los hombres malvados que presenta la peli, villanos malos donde los haya (Bernanke, Summers, Volcker, etc…), son exactamente los que mandan ahora también, con su nuevo empleado, el chiquito este de Hawai que habla tan bien. ¿Cómo se llamaba?...

ARM

LA RED SOCIAL - El timo de la estampita

2011-04-24T21:16:00.010+02:00

Tengo muy oído que La red social "está bien". Lo dice gente con cara de seriedad, intentando transmitir que la película, digamos, no es lo que parece. Incluso le han dado Oscars y eso. Rebusco en internet y me asfixian las sesudas hagiografías del guionista, de los actores, de todo.

Me preocupa ver las cosas tan distintas. Nada de prurito, acojone más bien. Porque yo veo una película fabricada como todas las demás películas para masas de Hollywood, un producto industrial plastificado como todos los demás, como un video musical de Beyoncé, como unas zapatillas Nike, como una Whopper. Te pueden gustar los vídeos de Beyoncé y los Macmenús felices. Es lo normal, en eso consiste que se vendan en todo el planeta. No por elección, eso sí: por imposición. Pero esa es otra película.

La red social es simplemente otro producto idéntico a sí mismo, detrás respira una máquina, no un artista. Se huele a goma quemada.

Entiendo muy bien que mole ver como se hace hipermegamultimillonario un chaval. Esa es precisamente la cosa. De eso se trata exactamente. Eso es lo deseable, en concreto, lo más deseable, lo único deseable. La historia de los chicos listos, las hermandades de Harvard, "la auténtica vida universitaria”, esos chicos tan cool que escriben fórmulas en las ventanas porque las ideas geniales les llueven a chorros entre fiesta y fiesta de la alfakapaguay. Uno se hace rico. Todo me quiere sonar un poco.

El grano gordo de Hollywood cuando hace el de la estampita. El espectador tiene que saber que está ante cosas-de-listos y darse cuenta por sí mismo, los chicos tienen que escribir formulistas de vez en cuando, soltar jerga, como en Expediente X o en Urgencias... pero sobre todo, la secuencia de arranque de la que había oído hablar en términos elogiosos. Dos muchachos parecen hablar tan rápido y agudamente, de puro listo, que no se les entiende. ¡Guau! grita la muchachada. No se les entiende porque es un diálogo absurdo, falso. Hollywood es el cine que en vez de poner un dialogo agudo lo imita, hace un fake de todo, un trampantojo. En lugar de inteligencia que parezca inteligencia, que parezca una hamburguesa de carne de ternera y verduras chorreantes de rocío. Que parezca que no es un héroe, que es humano, que es egocéntrico y complejo, aunque sea un personaje (protagonista encima) más plano que una mesa.

Que sienta el personal que no es el discurso de siempre, de toda la vida de Dios, del hombre hecho a sí mismo, de una vida/una obra, del todo-es-posible-en-América (y sobre todo forrarse), aunque se trate exactamente de eso. Que vean que nos hemos renovado, que estamos a la última aquí en Los Angeles, que parezca que no vendemos un héroe porque Mark Zukerberg parece un tipo gris y traicionero. Por esto salen de la sala muchos diciendo que han visto algo distinto y resulta que nos vuelven a colocar la cocacola, exactamente eso es lo que cuenta, exactamente lo mismo de siempre. Por eso es el de la estampita, porque a Hollywood le gusta que el espectador sienta un cierto comezón de haberse rodeado de inteligencia, de estar a la altura.

Y te vuelves a casa con estampitas. Otra vez.

Si lo guay es la historia, los chicos listos con ordenatas… incluso patriotas y espías, recomendación para la Paramount: ¿que tal una del soldado Manning?

No se parecería tanto al video de Beyoncé.

ARM

MÁS ALLÁ DE LA VIDA - Censored

2011-04-24T21:09:00.004+02:00

El gran respeto y admiración que le rinden los administradores de esta página web al autor de Gran Torino, el maestro Mr Clint Eastwood, impide que en la misma se escriba una sola palabra sobre Más allá de la vida (Hereafter).

Recomendamos además su eliminación digital de las memorias electrónicas de la red en aras del respeto artístico hacia su autor.

Los administradores.

ARM

LA AVERÍA - Filosofía, tele y pesadillas

2011-04-06T11:14:00.009+02:00

Un filósofo metido a dramaturgo es peligroso.

Un soldado extraviado. Una bala perdida. Friedrich Dürrenmatt, el autor, es un espíritu alegre fugado de los tonelajes de Kierkegaard y tatuado en cada centímetro de su espíritu por Aristóteles, Epicuro, Ciceron y así.

Dürrenmatt parió la comedia grotesca, un pariente europeo de nuestro esperpento que, no siendo sinónimo, funciona parecido. Un ingenio feliz que pone la astracanada, lo estrambótico, la deformidad fértil de la caricatura al servicio del arte, del contraste y de la magia teatral.

Dürrenmatt ha dado con la bendita fórmula de violencia creativa en que consiste dislocar la realidad, sacar las cosas de quicio, deformar los contornos de los personajes a placer, distorsionar hasta lo ridículo y extrafalario, con la misma potencia generadora de imágenes del ácido lisérgico (o del delirio febril, por ser más homeopático).

Este magnífico invento funciona en sus manos porque lo usa para ajustarle cuentas al mundo, enfrentar a la vulgaridad soberbia que representa nuestro tiempo en el personaje de un yupi muy contemporáneo y muy real, muy reconocible en lo infatuado, vacuo y seguro de conocer los mecanismos para “triunfar en la vida” y cosas así, contra una escuadra de espectros luminosos, deformados y atravesados por la lucidez y los saberes obsoletos propios de otro tiempo y otro mundo más cercano al del conocimiento antiguo y vetusto de las humanidades, lo que uno de los personajes (el fiscal, la viva imagen de Kant) llama “cultura”.

El invento es cojonudo. Otra cosa es la ejecución.

He de advertir urgentemente y antes de nada que, improbable lector, si vas a ver esta obra seguramente te gustará porque es lo que le pasa a la mayoría del público, que sale sonriente, cansado y feliz. Lo que se dice “un éxito”.

A mí me parece que el montaje es muy propio de la ultimísima moda que arrasa en nuestros escenarios y muy en la onda de su directora Blanca Portillo. La cosa es que por la veta de “lo grotesco” se acaba en un histrionismo histérico y desenfrenado, chillón y descabalgado que impide que el texto respire y rinda los efectos dramáticos de los que sin duda está felizmente preñado.

Los personajes hacen lo que un niño con ganas y falta (notable) de atención, o sea, bailar el michaeljackson (sic.), hacer flexiones (¡) e improvisar numeritos musicales de variado jaez pero en ningún caso pertinentes (además de muy esforzada y diligentemente decir el texto, faltaría más), es decir, exactamente Operación Triunfo + concurso de baile de TV + musical de la Gran Vía. Todo muy reconocible, exactamente lo que impone el estómago de masas y la electrocución televisiva, un gusto que encuentro cada vez más en las tablas y que parece ser un reconocimiento desprejuiciado de los realizadores a lo que “de verdad” les apetece hacer (esterilizando a los autores de pensamiento y respiración profunda) y que me sume en los más oscuros y dramáticos presagios y pesadillas: me despierto sudando porque el teatro ha sido engullido definitivamente por la puta tele.

Oh!

PD: Habrá que hablar un día de los nuevos teatros de Madrid y del lujo que es asistir al Valle Inclán en Lavapies y sobre todo al Matadero en Legazpi y en ningún caso al aborto de Los Teatros del Canal (¿Espe Vs Gallardón?).

PD2: También habrá que decir algo de la moda de los pinganillos: ya casi nadie habla en el teatro sin microfonito, en salas modernas como las del Matadero quizás no exista la acústica necesaria, asunto importantísimo en sus consecuencias artísticas, el caso es que en la obrita a un actor le sonaba la voz como la sala de espera del aeropuerto de Almería y al rato todos habían saturado a base de gritos sus canales acústicos. Hummm.

ARM

WOYZECK - O el drama de los hombres pequeños

2011-03-26T14:59:00.011+01:00

El teatro político lo carga el diablo.

Woyzeck es una rareza del teatro del siglo XX porque está escrita muy al principio del XIX. Un avanzado. Büchner es algo así como el padre de los Brecht y compañía que llenaron las trincheras teatrales de la segunda mitad del feo siglo XX europeo.

Pero a veces en lugar de una bala sale del revólver un cartelito que dice “bang”, como en el circo. Woyzeck es una máquina destinada a transformar reconocibles tesis político-filosóficas en metáforas dramáticas, y dicho así, tenía que salir mal. Büchner era muy joven cuando escribió esto e incluso cuando murió, quizás por eso se siente una voluntad huracanada de mover las cosas, la fuerza de una indignación rabiosa, inquieta y lúcida. Se presiente un latido firme en el texto que filtra grandes dosis de poesía “moderna”, eléctrica y mágica.

El empollón de Brüchner propone una crítica al racionalismo hegemónico, soberbio y tiránico que dirigió con férreas tesis lógicas el mundo hasta su debacle definitiva en la Segunda Guerra Mundial, lo que quizás signifique que siempre hay alguien que barrunta las cosas importantes mucho, pero que mucho antes de que ocurran. Son los que ven crecer la hierba.

Bajo las bielas de la gran maquinaria (sobre)viven los hombrecillos aplastados por La Historia, el descontrol y la determinación absoluta de sus vidas: Woyzeck, al que el doctor somete a los rigores de “la ciencia y la razón”, el que replica que “eso no es para nosotros, nosotros siempre seremos pobres”. Una especie de Cándido de Voltaire que no presenta más que derrota, sumisión y, sobre todo, animalidad desbordada: lo más valioso y vanguardista del texto del joven Brüchner.

Sin embargo este “aparato ideológico” al servicio del drama no funciona, se hace uno cargo de las propuestas cabalmente pero no con las entrañas que es a lo que vamos.

El montaje es de un artificio más que presentable, atractivo y contemporáneo en el mejor sentido, dotado de una esencialidad que contrarrestan los tonelajes de dramaturgia, vestuario, iluminación y hasta coreografía. Está eficazmente dirigida manque no acabe de funcionar y quizás, en su contra, lo que más pese al jurado popular es la actuación del muy capaz Javier Gutiérrez/Woyzeck, esforzada hasta la extenuación y creo que, sin embargo, profundamente errada en la dirección. Hace un Woyzeck al gusto de un teatro que no sé si dejaremos de ver alguna vez en España, nieto de la comedia de posguerra pero mal trasplantado al drama en actuaciones afectadísimas de perpetuas modulaciones de la voz que hacen que el público no se pueda meter en serio en la guerrera de semejante histrión ni un minuto.

¿Qué habría sido de un Woyzeck que nos hablara como una persona normal mirando a los ojos del público?

Quizás en el futuro…

ARM

EL DISCURSO DEL REY - Alternativas

2011-03-13T14:28:00.010+01:00

No acabo de conmoverme ni de meterme en la tragedia de ese pobre rey (¿!) que no sabe leer un discurso (del que le resbala lo que contenga) sin tartamudear en medio de una Europa en guerra total que parece darle exactamente igual.

Tampoco entiendo el Oscar (¿hay que entender los Oscar?) de Colin Firth que me parece un tipo muy aburrido y muy repeinado al que no se le mueve ni un músculo de la cara. Me gustó más Geoffrey Rush sin que te cambie la vida, correcto.

Peliculita, por tanto insondablemente formalita, aseada y estomagantemente conservadora que no tengo ni pajolera idea de por qué ha gustado tanto.

Para rey inglés y tartamudo yo hubiera preferido la historia del colérico Carlos I de Inglaterra, previamente Duque de York como el Jorge VI de la peli, un tipo bilioso y resentido porque tampoco él era el heredero previsto. Enfermizo, feote, enano y tartamudo.

El guay era su hermano pero la espicha. Así que, acomplejado y cabreado a perpetuidad se dedicó a ~~joder~~ desconvocar el Parlamento, inaugurar salvajes impuestos para la plebe (los nobles, recuerden, no pagan), declarar la guerra a España y Francia (acabando con las paces mantenidas por su padre Jacobo VI, un rey enrrollado y campechano…¿les suena?), liarse a guerrear aquí y allá y a inaugurar en definitiva el primer absolutismo tiránico de Europa del siglo XVII. Lo hace tan bien el tío que consigue que alguien inaugure un hacha con la cabeza de un rey de Inglaterra.

Vamos que el personal se enfada y Cromwell y los suyos hacen la primera revolución europea moderna e Inglaterra se convierte en una república: ¡1649!, mucho antes que lo de los franceses. El caso es que el personajazo del rey, tras negarse por tres veces a pedir la súplica con la que hubiera salvado la testa, se marca un discurso del tirón y sin rastro de tartamudez sobre el mismísimo patíbulo para reivindicar su trono, su perona y su soberanía. Le queda un speech tan chulo que se lo publican y vende más que los panfletos liberales de Hobbes y esos revolucionarios. La república dura mientras vive Cromwell, cinco minutos.

No me dirán que no mola mucho más este rey que el de la peli...

ARM

LOLA - Lluvia y desazón

2011-03-04T23:51:00.002+01:00

Lola significa abuela en tagalo. Y son dos abuelas unidas por un crimen las protagonistas del filme. Lola Sepa ha de enterrar a su nieto, asesinado en un robo. Lola Puring hace lo posible por sacar de la cárcel a su nieto, acusado de asesinato. Ambas son pobres, débiles, enfermas, y dispuestas a todo por sus nietos; necesitan dinero. Pese a la dureza de lo que sufren, sus interpretaciones son contenidas y apenas hay primeros planos. Pero es la lluvia, el viento, la atmósfera gris… reflejos de su angustia interior y de su determinación. Atención a los símbolos; sobre todo, el del agua, que aparece continuamente.

Más allá de la historia es un retrato del papel de los ancianos en la sociedad filipina, del respeto que se les profesa y de lo duro que les resulta desenvolverse en la sociedad. Con cierta estética de documental nos va mostrando la miseria, las dificultades para sobrevivir, la delincuencia, la patética justicia que “funciona” en el país. Y todo ello de un modo hiperrrealista, con pequeños y cotidianos actos.

Se nota el bajo presupuesto en detalles como la cámara sucia, pero teniendo en cuenta la temática es hasta coherente, y lo cierto es que es admirable tanto la intención como el resultado. Y ya quisieran muchas superproducciones tener el contenido y mostrar, tan bien mostrado, lo que Lola.

La trama es lenta y acongojante. Una amiga mía diría: “menudo rollo, ya sufrimos bastante en la vida”. Yo sólo digo que si tienes el ánimo bajo, mejor una comedia ligera.

ANDREVA

BLACK SWAN - Aronofsky o cómo ser el más raro de tu clase

2011-02-28T11:02:00.007+01:00

De Black Swan no puedo contar mucho sin joder la trama, así que:

1) Mantienes la tensión abdominal desde que empieza hasta el final. Hay a quién le gusta. En todo caso es meritorio y útil, haces pilates viendo cine.

2) Aronofsky sigue a lo suyo, traduce un mundo psico-sensorial (que es lo que le mola) al cinemascope (que ahora se dice HD) como en la imprescindible Réquiem por un sueño etc... Esto siempre es un placer (aunque acojone…)

3) En efecto, Natalie Portman se sale en un papel absoluto o sea primer plano perpetuo en el que da toda la gama de colores, tonos y semitonos del horror a la pasión. Estatuilla y bla bla. Pero a mí quien me ha molado es Vicent Cassel, un actor proteico, expresivo como un libro, que embrida un personaje con una convicción que hace que nadie parpadee cuando da una orden, algo así como la antítesis de Pe en Volver, que ni ella misma llega a saber de qué trata lo suyo…

4) Originalidad (que es lo que significa Aronofsky -el dire- en estonio...creo), eso casi imposible a estas alturas de cine, ¡conseguido en un Lago de los cisnes!, señora, ni más ni menos... ¿No es rarísimo?

Como Aronofsky.

ARM

VALOR DE LEY. Fábula moderna

2011-02-22T19:14:00.004+01:00

Después de compartir la decepción y el desconcierto ante los últimos trabajos de los Coen con muchos de sus incondicionales, me vuelvo a reencontrar con lo mejor de su cine gracias a este western, adaptación de la novela de Charles Portis que ya había se había llevado al cine con John Wayne como protagonista. Con una fidelidad formal por al género que ya es habitual en ellos –cine negro en Muerte entre las flores, thriller en Fargo, etc, etc- este western encaja perfectamente con su habitual mezcla entre humor negro, odisea griega y fábula moderna que han plasmado tan bien en otras películas como O’Brother. Vuelven también a recuperar su particular forma de presentar a personajes estrambóticos de una manera desconcertante, jugando con el espectador y con su forzada risa nerviosa. Y, por supuesto, no faltan sus continuas rupturas con el propio género, introduciendo elementos ajenos o más bien propios de su estilo. Todo esto apoyado por un –otra vez borracho y genial- Jeff Bridges con un acento más difícil de entender que a las vacas texanas. Su figura representa de forma inigualable al cazarrecompensas pendenciero con buen corazón, que en esta ocasión acepta la oferta de una niña, deseosa de vengar la muerte de su padre. Junto a un Matt Demon -el siempre correcto- que tras sus últimos trabajos me ha conseguido ganar, deben encontrar al forajido interpretado por un demasiado caricaturesco Josh Brolin. Uno de los fallos de la película junto a una banda sonora sorprendentemente mediocre y cursi para el nivel al que nos tienen acostumbrado. Desde que Clin Easwood recuperar el género con Sin Perdon, varias películas han dado una vuelta de tuerca al western: El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, Apalussa, Pozos de Ambición… ahora Valor de ley añade otra grande a la lista y, aunque mucho más comedida, menos cómica y menos trascendental que sus trabajos anteriores, se encuentra entre las mejores de los brothers.

Pitu

GOLGOTA PICNIC - Lo nuevo

2011-02-22T12:12:00.006+01:00

Por fin lo nuevo.

Un crítico austriaco se preguntaba qué aspecto tendría lo nuevo en literatura para reconocer después en Thomas Bernhard a lo nuevo (a mí Bernhard me parece fatal). Muy probablemente Rodrigo García es lo nuevo, el disparo de nieve que esperamos siempre, el oxígeno, vida más allá del super, ni siquiera el futuro, simplemente el presente. Es lo nuevo en el mejor sentido, exactamente el contrario al que consigna al iPhone4 como lo nuevo.

Es inexcusable para el arte como para la filosofía dar cuenta de cada época, del zeitgaist, del espíritu hegeliano del tiempo, de ser consciencia, acaso reflejo, interpretación, siquiera código compartido, descifrado. Nuestro tiempo, como en el que le haya tocado vivir a cualquiera otros, es tan particular, reconocible y original como lo fueron todos los anteriores y sólo estando inmersos en él cuesta reconocerlo, pero nuestra contemporaneidad es tan identificable, original y radical como el tiempo que inauguró la Revolución Francesa. Otra cosa es que tengamos quien nos lo cuente.

En contra de lo que se suele tomar por cierto hay un montón de cabezas poderosas puestas a la tarea de identificar y diseccionar esto que empezamos, ya hace mucho, a llamar postmodernidad. Hace demasiado como para que el teatro y el cine no hayan dado cumplida cuenta, como para que sigamos asistiendo atónitos y narcotizados a las mismas tramas de zarzuelilla, vodevil y opereta con aspiraciones de innovación.

Rodrigo García es un golpe en la mesa. Probablemente más bien un escupitajo. Y en realidad es tan nuevo como Sloterdik (64 años), Bauman (86) o Lipovetsky (67), quiere decirse que este hombre ya tiene muchos tiros en el lomo, pero muy probablemente tengan que ser viejos los novísimos que vengan porque quizás y en contra de las apariencias de jovialidad, fluidez y renovación constante, hayamos encallado en un mundo descaradamente conservador, estancado y reticente a los lenguajes verdaderamente nuevos, a los que aportan contenido, información y no los sms, chat, twitter y el resto de cibernarcolepsia travestida de emanciapación ultramoderna (en dicha “emancipación” y bajo el peso geológico de las marcas y los logos acaba de caer la propiedad intelectual, ese absurdo invento… ¿no?).

Gólgota picnic es un cristo, bastante moderno, en el que un grupito de actores disparan sin piedad un discurso hemorrágico, frontal, afilado, hiperlúcido y disfrazado de sermón bíblico de un posible Ángel Caído, un contrafáctico Jesucristo, un improbable evangelista que no se esfuerzan en convertirse en ningún personaje porque, eso sí que ya ni siquiera es nuevo, sobran las tramas, los personajes, los guiones lineales y mecánicos en los que a alguien le pasa algo y hace que dice que… de todo eso, hace ya mucho (aunque pueda uno ser muy feliz ahí dentr).

En Gólgota no hay arquitectura, ni vanguardia ulratecnificada por más que haya una camarita digital, micros y una pantalla con proyecciones. Sin embargo nada más lejano al complejo andamiaje de, pongamos, La Fura, al servicio siempre de complejas planificaciones industriales, visuales y metadramáticas. Aquí quizás hay metalenguajes pero sobre todo queda sobre el escenario la crudeza de lo expuesto, pulsátil, directo y desnudo, a bocajarro y escupido. Una panda de individuos que parecen más que nada unos colgados de verbena muy pasados de tóxicos, algo así como un descampado afterhours, quizás la secuela de un festival, quizás la secuela de la propia ciudad o de la propia vida en la que la Biblia, si acaso, va encajando como único trazo común los discursos destructores, salvajes, nihilistas de unos personajes que al tiempo pisan sobre un manto de hamburguesas, se travisten con comida, se crucifican con vegetales, se entierran bajo carne cruda, degluten y regurgitan hamburguesas ante un plano gigante que orla el discurso siempre feroz de cualquiera de ellos. Más que arquitectura hay textura y más que trama hay visión.

Todo con espontaneidad, casi sin premeditación, de la manera más sucia, desnuda y directa posible, un gesto decididamente punk anima todo el montaje, voluntad de contundencia, de explicitud, de incordiar, que me habría jodido (como a la tropa de público que va desfilando por el patio de butacas a medida que avanza la representación) de no ser por lo genuino, lo sincero y lo contundente del contenido. Por supuesto, y como no puede ser de otra manera, todo es cuestión de recepción y reconocimiento, ocurre o no, se comparte lenguaje y sentimiento o lo que se lleva uno a casa es a una panda de desquiciados revolcándose en pelotas entre fumigaciones de pintura y hamburguesas (por cierto, una vaciedad posible muy propia de nuestros museos de Arte Contemporáneo).

El gesto violento, rompedor, agitado y turbador culmina en un final en el que, podría haber castigado al público con quince minutos de silencio, o podría haber aterrizado un enorme elefante de goma rosa sobre el escenario o algún actor podría haberse meado (no dudo que ganas le faltaran al autor), pero todo eso sería burdo, vacío, muy antiguo y propio de otra obra y otro lugar. La interpretación final del largo viaje hacia la muerte, real y bíblica, la última rotura consiste en un hombre desnudo, Mario Formenti, que interpreta exquisitamente Las siete últimas palabras de cristo en la cruz de Haydn en un piano de cola, con sus nueve movimientos, uno detrás de otro y casi una hora de duración. Mucho público huye, pero ¡ojo!, huyen ante la desnudez y la contundencia ensimismada de una de las músicas más bellas posibles. Huyen por la imposibilidad de aceptar, de repente, la belleza, de repente a Haydn, un hachazo a la velocidad de la ciudad y a las expectativas. Esa es la ruptura que ha elegido Rodrigo García. Ese es el lenguaje. Esa es la apuesta.

PD: Entre El evangelio según san Juan de El Brujo y esto va más o menos lo mismo que de Paganini a Bisbal o de Steve Mac Queen a Martínez Pujalte, tratando ambas una recreación evangélica y exactamente sobre el mismo escenario, con la misma pasta, la del CDN, que hace a churras y a merinas.

PD2: Seguramente esto será, como siempre, para minorías, puede que la gente de la Gran Vía y los musicales no lleguen nunca a verlo, puede que alguien acuse al autor de elitista, sin embargo, éste hombre nació y se crió en un barrio chabolista. Es puro pueblo.

ARM

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO - Tenessee

2011-02-21T11:03:00.003+01:00

Se cumplen los peores augurios: lo mejor de este montaje es el texto. Ver a Tenessee Williams es ir sobre seguro aunque uno siempre puede temer que nos caiga el cielo sobre la cabeza (Abraracurcix).

Williams es un típico americano espabilado que juega a practicar vivisecciones de derrotados interiores, de biografías arrambladas por el oleaje de la vida. Ilusiones vanas, sueños traicionados y muñecos rotos en el arroyo de la inadaptación. Es el hombre del psicologismo dramático en el teatro americano.

Puede que no sea tu rollo pero ante la excelencia es difícil no rendirse y disfrutar siempre.

Otra cosa es que un montaje no consiga proyectar el texto un metro más allá de su lectura, su única misión. El montaje de Mario Gas es, desgraciadamente, aseadito y formal, o sea aburrido, plano, antiguo, ortodoxo. Vaya, un teatro que Valle-Inclán encontraría rabiosamente arcaico y demodé.

No se preocupen, a pesar de una escenografía vulgar que no sirve para concentrar y amplificar la fuerza dramática y la verdad de esta obra ya clásica, el cielo no caerá hoy sobre nuestras cabezas.

Se lo aseguro.

ARM

VALOR DE LEY - Venganza, valor, ley, justicia… un buen wéstern

2011-02-17T22:54:00.003+01:00

Remake de la película de 1968 de mismo título, protagonizada por John Wayne, y con un reparto entre los que se encuentran Dennis Hopper y Robert Duvall, ambos largos se basan en la novela de Charles Portis, quien, en 1968, a través del periódico The Saturday Evening Post, la ofreció por entregas a sus lectores.

El padre de Mattie Ross (Hailee Steinfeld) es asesinado. Su ejecutor, Tom Cheney (Josh Brolin) disfruta de total libertad. Y es esta niña de 14 años quien decide darle caza. Contrata a Rooster Cougburn (Jeff Bridges), un alguacil de la zona, de reputación dudosa y trago fácil, para saciar sus ansias de justicia. En su camino, se cruzará con LaBoeuf (Mat Damon), un Ranger de Texas quien también busca al forajido por un asesinato en el sur de Estados Unidos y porque ofrecen una buena recompensa.

La película está muy bien estructurada. Nunca dudas de por qué se encuentran en una pradera india o de por qué se toman unas u otras decisiones. La venganza envuelve y le da sentido a todo.

La dirección y el guión son de Ethan y Joel Coen. En ambos trabajos el resultado es bueno. No está a la misma altura el montaje, también suyo. Entre otras cosas, se exceden en los fundidos y encadenados. Y, por favor, no volváis a utilizar esas retroproyecciones tan descifrables. Voy al cine para que me mientan bien.

Lo que menos me convence del filme es la dirección de fotografía de Roger Deakins en los interiores. La luz es desbordante, excesiva, donde los blancos están muy cerca de estar quemados. En los exteriores, la cosa mejora y, además, se juega con los colores de las acertadas localizaciones, con lo que el resultado difícilmente puede ser malo.

Si algo destaca en este largo son las grades personalidades de los personajes, cosa que produce choques entre ellos, bañados de excelente ironía cómica y ofreciendo un humor sutil y placentero. Grande Jeff Bridges. Y si, además, deciden ponerle una botella de whisky a medio terminar en sus manos, mucho mejor. Ni que decir tiene que a este señor hay que verle en versión original. El tono de su voz en la sala te envuelve, te hace sentir pequeño. Es una voz que aporta una fuerza aplastante.

Hailee Steinfeld, 14 años. No esta nada mal pasar de unos cortitos y de unas series de televisión a rodar para la pantalla grande con los Coen. Personalmente su actuación no me seduce. El personaje es complejo, desbordante de soberbia y seguridad. Tal vez demasiado difícil para una menor. Ya sabes, no ruedes nunca con niños ni animales.

Mat Damon, qué bien te queda ese toque cómico. Interpreta a uno de los personajes que más empatía me ha producido. Creo que ese papel de chico guapo resuelve-todo me vence. Y, al verte sufrir, intentar conseguir algo de lo que tu personaje no está a la altura, me produce simpatía.

En definitiva, Valor de Ley es una película recomendable. El wéstern es un género demasiado quemado, que se ha relegado al olvido por parte de la industria y de los espectadores. Es una buena oportunidad de ver a forajidos al galope entre peculiares paisajes y disfrutar de una buena calidad de imagen.

Madriz

CISNE NEGRO - Pasional

2011-02-16T23:44:00.002+01:00

Visceral, pasional. Es lo que primero que me viene a la mente al sentarme a escribir mis impresiones sobre Cisne negro. La película retrata, de manera bastante fiel, las exigencias y sacrificios del "ejército" al que ingresan las bailarinas. La exigencia del director, la de la família... y la propia autoexigencia. La dualidad del ser humano, esos dos lados que todos tenemos y con los que, afortunadamente, la mayoría de las veces, sabemos convivir y somos capaces de dominar.

Cisne negro nos muestra que no todos tenemos esa fuerza, el lado claro y el lado oscuro, tantas veces retratados en el cine, que esta vez se muestra de una manera encantadora, paralizante, aterradora, logrando mezclar belleza y perturbación de una manera sutil... la sutilidad de un ballet clásico. La fotografía y los movimientos de cámara son parte de los logros de la película y responsables de transmitir todos esos sentimientos.

En la película, el director de la compañía, Thomas Leroy, interpretado por Vincent Cassel -que, como siempre, está espectacular en su papel- le pide a Nina, Natalie Portman, que sienta el personaje y, a partir de ese momento, el espectador pasa a sentir y a vivir lo que le ocurre a ella. La madre es otro personaje fielmente retratado y muy bien interpretado por Barbara Hershey. Los actores están todos muy, muy bien, sin excepción.

Natalie Portman se luce en el papel y, a pesar de toda la locura, uno cree en su interpretación e, incluso, entiende y comparte toda la vorágine del personaje, sus miradas, su dulzura y locura son PERFECTAMENTE creíbles e interpretadas por una actriz que estaba hecha para el papel... o el papel hecho para la actriz. Sea como sea, ¡la interpretación es perfecta!

No es la primera vez que Darren Aronofsky hace esto. Ya en Réquiem por un sueño logró, no solamente que viéramos, sino que viviéramos, la película. Y ahora lo ha vuelto a hacer. Pero, esta vez, se ha superado, quizá porque el tema es ahora un poco más ameno. Y así, uno sale tocado del cine, con la extraña sensación de terror, pero, al mismo tiempo, de querer bailar y vivir intensamente.

Y, bueno, lo que tengo que decir es: ¡chapó, Darren, has hecho un excelente trabajo con todos los actores y has logrado brindarnos un Cisne negro visceral!

NOCELONI

DE DIOSES Y HOMBRES - Sin pecado concebida

2011-02-11T00:15:00.007+01:00

He ido a ver De dioses y hombres por la única motivación del parecido de su foto de portada con El gran silencio (Groening, 2006), mira por dónde. Y dicho equívoco, en absoluto inocente sino intencionado y sibilino para reeditar aquella milagrosa afluencia de público a una película de tres horas y cinco minutos en bendito silencio monacal me ha llevado a constatar que el único parecido entre ambas películas es, en efecto, la casulla de los monjes.

De dioses y hombres es simplemente un documento pastoral, una homilía ejemplarizante de testimonio martirial enfundada en estética y formas de nouvelle vague, para despistar. O sea, eso que nos llevan contando toda la vida y que te cuentan en el cole de curas, que te cuentan en misa y que te cuentan en una mani por la Libertad de Es-pa-ña o por la Libertad de Las Familias (sospecho qué familias son esas). Pues eso.

Unos monjes muy buenos se aprestan a exponerse a ser sacrificados por la violencia islamista en su monasterio del Atlas marroquí (¿!). Dios es un personaje más que como en el deus ex machina que inventaron los griegos (lo inventaron todo por cierto) participa en la trama y endereza las muy humanos flaquezas, temores y dudas de algunos de los frailes a los que se ve invocando a gritos a su patrón en su celda nocturna (momentos de mucho miedo).

Quizás la cúspide del sonrojo y la desvergüenza de este artefacto travestido de cine artístico del que desconozco su oscura motivación (me refiero a la guita, a quién paga todo esto que diría Pla) es cuando los habitantes musulmanes del pueblo les piden ¡a los monjes franceses del Atlas! que no se vayan, que sin ellos no son nada (sic.). Desde las ilustraciones colonialistas inglesas de negritos del siglo XIX no creo que haya ningún documento tan explícito para explicarle al personal por qué tenemos que estar en esos lugares donde los retrasadillos de los indios, los moros y los negros nos necesitan, porque no se valen y porque hay que educarlos (aunque de paso, quizás, recojan té o se encuentren algunos diamantes mientras reptan en una mina, ya sabes…)

Quiero decir que es muy raro todo esto en el 2011 año de cifra ya casi cibernética en el que hay quien se implanta orejas en la espalda por chulear. Y que no me cabe en la cabeza que alguien vea en este panfletillo dominical estrictamente ceñido a las pautas canónicas del documento pastoral algo (lo que sea) de verdad, de sinceridad, de humanidad, de relato verosímil, o sea, de cine, de arte.

La diferencia entre esto y El gran silencio, tratándose ambas de monjes en sendos monasterios, es toda, o sea, el retrato indeciblemente bello (vean una fotografía y otra) del silencio (ni más ni menos) y de una manifestación tan transcultural como el recogimiento, la introspección y puede que el éxtasis. La ensimismación en el suspenso del mundo. El gran silencio es una gozosa experiencia metacinematográfica de la que sales como de un viaje porque has participado de algo tan rompedor y esencial como el silencio, a manos llenas, donde se propone otra vida posible y otro lugar improbable. Una otredad.

Cualquier parecido será un milagro.

ARM

PD: A Muñoz Molina le ha encantado

TAMBIÉN LA LLUVIA - En tiempos tan oscuros

2011-02-02T12:05:00.011+01:00

Hay que tenerlos cuadraos para hacer También la lluvia (en este caso, Iciar Bollaín).

Corren tiempos difíciles para lo suyo, eso del cine social, sensiblero, cardíaco e … ¡indigenista! ... hasta ahí podíamos llegar. Sólo falta que a los putos pijoprogres de la ceja y las subvenciones les haya dado por hacerse amiguetes del Gorila Rojo, el indio Evo Morales, que no sabe hablar, que lleva un asqueroso jersey a rayas, que es cutre, que es retrasado, que es ridículo, que es pobre, ¡que es amigo de Chávez!…

Me posee la voz de la actualidad, la tengo dentro de la cabeza, o fuera, pero por todas partes…

Iciar ha sido muy perrilla y deja muy poco hueco para que los señorones que tienen que enfurruñarse viendo la peli y cagarse en los listillos del cine español puedan hacerlo a gusto porque la propia peli ya se encarga de la tarea y deja muy mal a unos posibles listillos “progres” del cine español. Qué perra.

En frío: También la lluvia es una película brillante en lo formal y emocionante en general, se quiera o no (emocionar uno) y muy difícilmente dejará impasible o arrepentido a cualquier contratante de la entrada.

El guión es la obra de orfebrería de un taumaturgo que se cubre la espalda en cada torsión porque cada personaje produce su sombra antagonista y cada gesto su antítesis. El cinismo y la hipocresía de la hipocresía están develados de antemano. La lectura es especular todo el tiempo y los personajes se cruzan simétricamente en sus arcos de transformación (cosa que vuelve locos a los guionistas) con sus respectivos sosias históricos: Cólon es el más hijoputa y el actor que lo interpreta el más humano, Bartolomé de las Casas el héroe en la ficción y su actor el más cobarde, y así. De manual florido. A mí no me gustan los manuales pero si sirven para montar la Novena de Beethoven o El Padrino estoy a favor total. Todo esto será pasto de guionistas y nutrirá las biblias y prontuarios de las escuelas de guión.

Pero sobre todo y aún por encima del mérito obvio de enganchar y hacer disfrutar a cualquier espectador bípedo (o cojo, si se pone, seguro) la película es una contundente vacuna para tiempos tan hostiles y ante espectadores, todos (los de un color y los del otro, se lo aseguro) hiperreactivos al cine social y al maniqueísmo (sólo si los buenos son los desgraciados, si los buenos son guapos/poderosos, quiero decir, nosotros o alguien muy parecido, nos va molando más, y entonces se llama Hollywood…).

Es decirse… sal corriendo a ver esto.

PD: El guión es de Paul Laverty, ya sabes, el pupilo espabilado de Ken Loach que parece que exporta la cosa social a la otra orilla del Atlántico sin despeinarse. Era un encargo para Iñárritu pero acaba en las diestras manos de la Bollaín. Y ahí lo tienes.

PD2: Lo de Tosar es redundante, ni lo miento. Los otros chicos bien, gracias.

ARM

CUESTIÓN DE PRINCIPIOS - ¿O todo depende del precio?

2011-02-01T00:45:00.003+01:00

Castilla (F. Lupi) es un hombre chapado a la antigua. Santos (P. Echarri), su jefe, un joven que ha venido a levantar la empresa. Entre estas dos polaridades se declara una guerra abierta cuando Santos se entera de que su empleado tiene el número que le falta para completar su colección de revistas antiguas. Pero Castilla no quiere vendérsela porque, según dice, “hay cosas que no tienen precio”. Sin embargo, cuando se suceden las jugarretas, y la cifra ofrecida cada vez es mayor, y su mujer, Sarita (N. Aleandro) le presiona... y, en el fondo, no puede ser tan terrible vender la revista si nadie se entera, y podrían comprar un coche, un barco...

Hay un amigo de Castilla que dice que los principios, como la sociedad y la cultura, son cambiantes, y que, en realidad, no son más que una vía para que nos quieran los demás. Parte de razón tiene, porque en la guerra que libran empleado y jefe, lo importante, no es sólo ganar, sino que además la victoria tiene que ser pública y notoria.

Yo personalmente habría vendido la revista. Si fueran razones más importantes... vale. ¿Pero una revista vieja a cambio de disfrutar del presente? Vale, seguro que me lo gastaba en frivolidades, pero liarla así por una excentricidad... no sé qué es peor. Porque no es cuestión de principios, sino de cabezonería.

Como es una comedia dramática hay situaciones absurdas y los personajes están bastante estereotipados, pero bueno, Norma Aleandro sabe dotar de ternura y gracia al papel un poco tonto y frívolo de Sarita y de Federico Lupi, qué voy a decir, yo me creo cualquier cosa que haga. Pero quien realmente se luce es Pablo Echarri, que compone magistralmente su papel de yuppie sin escrúpulos, que, en el fondo, también tiene su corazoncito.

Supongo que es la enésima vez que se trata la confrontación ética-pragmatismo y no aporta nada nuevo. Pero la película se ve a gusto: para pasar un buen rato sin más pretensiones.

ANDREVA

EL PROYECTO LARAMIE - Docuteatro

2011-01-29T12:12:00.004+01:00

Deberían obligar al público a quitarse los zapatos antes de entrar a la sala para ver la función descalzos. Como si fuera una mezquita. (Pero nada que ver con la religión.) Simplemente, por respeto. No por respeto a la obra, ni a la compañía, ni a los actores, ni siquiera al director o al escritor. Por respeto al protagonista de la obra, un protagonista real, que existió pero que no aparece en la obra. No aparece porque está muerto. Es el protagonista omitido, como aquel sujeto omitido en el análisis sintáctico de oraciones que hacíamos en el colegio. Todo gira en torno a un chaval que no aparece y, sin embargo, está presente todo el rato. Su caso lo merece. Fue brutalmente asesinado. Es un caso real. No es ficción. Esto es docuteatro.

El proyecto Laramie se asemeja a esas películas de juicios en las que vamos conociendo la historia del caso por las declaraciones de los diversos personajes que suben al estrado. Que, en este caso, no son personajes, sino personas reales, personas que aún viven en Laramie, Wyoming, personas que conocían a Matthew Shepard, y así, mediante sus relatos, vamos conformando el rompecabezas del caso, un rompecabezas al que inevitablemente le falta alguna pieza, pero que, finalmente, nos permite saber lo que ocurrió y, lo que es más importante, comprender el comportamiento de personas que mantienen un punto de vista radicalmente opuesto al nuestro. Porque, al final, éste es el gran mérito de la obra: hacer que el público comprenda al otro, al que no tiene nada que ver que uno mismo, el reflejo de nuestro propio yo en un espejo distorsionado. Incluso (casi) llegamos a comprender por qué actúan sin zapatos.

El gran acierto del director, Julián Fuentes Reta (habrá que seguir de cerca lo que haga este chico), ha sido poner al servicio del protagonista ausente a todo un elenco de actores con una homogeneidad interpretativa de alto nivel. Ninguno está por encima del resto (ni por debajo) y todos tienen sus pequeños momentos: el director de la orquesta sinfónica de los medios de comunicación, momento visual y sonoramente (¿Beethoven o Mozart?) precioso, el momento en el que un chico cuenta cómo encontró el cadáver, en fin, pequeños momentos de una gran obra. Y más difícil todavía, cada uno de los actores debe meterse en la piel de varios personajes y cambiar de uno a otro en segundos, sin tiempo de adaptación, en un trabajo que sospecho que tiene que ser más esquizofrénico que nunca. Todos pasan la prueba con creces.

El proyecto Laramie te toca la fibra, te remueve por dentro, hace que reacciones ante preguntas que nunca antes te habías hecho. Eso no siempre gusta. Tal vez alguna señora del barrio de Salamanca se levante de su asiento, recoja su abrigo de pieles y abandone la sala. Pero, también es probable que algunas personas piensen "vaya, ése se parece a mi hijo y quizá esté siendo un poco injusto con él". Porque este mundo está muy loco y está mejor visto que un actor interprete el papel de asesino despiadado que el de maricón, faltaría más.

FRANK

EL DISCURSO DEL REY. Que me m m m me ha gustao

2011-01-05T18:44:00.002+01:00

A pesar del viento gélido que acostumbra a soplar por estas fechas en las carteleras, El discurso del rey es sin duda una de las apuestas más seguras del momento y un agradable reencuentro con el cine comercial de calidad. La película narra los problemas del futuro rey Jorge VI para superar su tartamudez, en una época en que la radio había introducido la segunda exigencia para los monarcas tras años cuya única función era no caerse del caballo. La radio se había convertido en un potente medio de comunicación y los reyes debían dominar el medio (los Borbones nunca lo han superado), así que el pobre Duque de York debe asumir el trono de un país a punto de entrar en guerra con Alemania, después de que su hermano abdicara por una americana divorciada. Geoffrey Rush, un actor con un aspecto muy shakespiriano conseguido con una carrera dedicada al teatro, da vida a un logopeda con unos métodos poco ortodoxos. Duelo interpretativo (que se suele decir) memorable junto a Colin Firth y un dominio de ese humor tan inglés que sabe sacar partido a la confrontación entre un plebeyo y un refinado noble (en v.o, por dios, no quiero ni imaginarme el doblaje del tartamudeo). Evidentemente la película trata de la superación personal (nada nuevo) siendo esa su mayor virtud: no tener más pretensiones que la de un personaje tratando de superar su tartamudez. Como diría la ilustre Cándida “ella trabaja mu bien” (Helena Bonham Carter, por fin no vestida de bruja piruja) y “me ha gustao mucho, así que vayan a vela”.

Pitu

TAMBIÉN LA LLUVIA - Quinientos años no son nada (ya lo decía Gardel)

2010-12-28T14:14:00.003+01:00

Bravo, por fin una película de corte social (con el estigma que eso supone), que, sin adoctrinar, consigue hacer reflexionar. Reflexionar sobre el mundo, sobre uno mismo, sobre lo que pensamos y decimos frente a lo que hacemos. Pero además, engancha y emociona.

También la lluvia narra tres historias que se funden: la de Costa (Tosar) y Sebastián (García Bernal), que se trasladan a Bolivia con todo su equipo para rodar una película de época; la de la explotación indígena con la llegada de Colón a América; y la de la Guerra del Agua, protestas indígenas acaecidas en Bolivia en el año 2000 mientras se rueda la película. Pero, en realidad, la primera es el medio para relacionar las otras dos en una sola historia, la Historia de siempre: la de la explotación de los más débiles para enriquecer a unos pocos. Porque del nivel más intimo de los protagonistas, viajamos al nivel general de los acontecimientos históricos, y nos recuerda la grandeza de las cosas pequeñas, que muchos pocos hacen un mucho, y que la Historia, al final, la hacen las personas.

La sola presencia de los actores protagonistas ya es motivo suficiente para ver la película (lo reconozco, mi motivación para verla fue Gael, es tan guapo…). Como no podría ser de otra manera, tanto Luis Tosar como Gael están estupendos, sin olvidarnos de Karra Elejalde, ¿¿es que nadie va a dar un papel protagonista a este actorazo?? Incluso el riesgo que supone trabajar con tanto actor no profesional es superado y, a medida que transcurre la historia, casi hasta lo olvidas.

Es ésta una película española (con el estigma que eso también supone) con un buen guión, capaz de hilvanar las tres historias en una. Bien realizada (gracias Icíar, una vez más). Coherente y compacta en su factura, ya que, incluso usando distintas técnicas, grabando cámara al hombro o usando imágenes de archivo, no se pierde el sentido de unidad.

Y prometo que los canapés del pase de prensa no han influido en mi opinión sobre la cinta.

ANDREVA

TODAS LAS CANCIONES HABLAN DE MÍ - Demasiado corsé

2010-12-26T23:14:00.003+01:00

El salto a la dirección cinematográfica de Jonás Trueba (hijo de Fernando) tiene todas las virtudes y defectos de una ópera prima. Todas las canciones hablan de mí es un retrato generacional a través de un chico cuya ruptura sentimental aún no ha superado tras seis meses de separación. Una película llena de referencias literarias, musicales e innovaciones narrativas (mirada a cámara, desdoblamiento de personajes…) que complementan una historia mil veces narrada (y mil veces más) muy deudora del cine de Woody Allen o Eric Rohmer. Y digo que complementan porque parece que los recursos surgen de una -obvia- necesidad de impresionar con la primera película ante unos ojos tan exigentes, importantes y divergentes como los de su padre y demás parientes. Jonás Trueba (que no ha llegado a los treinta) utiliza estos recursos para complementar una historia que de tan común y familiar cae en ocasiones en el tópico, introduciéndolos sobre todo en la primera parte de la cinta, dejando la segunda algo coja, lo que a mí, que soy un hombre aristotélico de toda la vida, pues me ha dejado un tanto frío. La película tiene buenos momentos y se nota su buena mano como dialoguista, su buena dirección de actores y, lo mejor de todo, su sincero romanticismo, que transmite principalmente con un deambular de los personajes por el Madrid de los Austrias (más cool) que desde Los peores años de nuestra vida (con guión de David Trueba) no veía yo. Los secundarios superan a los protagonistas en esta historia y su utilización sube varios enteros la película, sobre todo –no entiendo por qué no lo utiliza más- sus momentos cómicos. Pero dar un peso tan importante a la pareja protagonista y, sobre todo, a un actor tan plano como Oriol Vila -suponemos que su alter ego- con la misma expresividad que un geranio ha frenado su resultado final, que ni de lejos vamos a comparar –que mala cosa es- con el genial debut de su tío con Ópera prima. Una película demasiado encorsetada por los referentes de su director, donde el estilo está por encima de la historia y donde la propia historia no consigue cautivar por deficiencias en el guión, aunque el resultado global sea aceptable. Veremos si en el futuro consigue desarrollar un cine más consistente que tanto bien haría a los amantes de este género tan afrancesado. Confiemos.

Pitu

CITA

2010-12-26T12:14:00.003+01:00

"A veces tengo la impresión de que el mundo del cine terminará con el propio cine".

José Luis Guerín en esta entrevista.

FRANK

NEDS - La letra con sangre entra

2010-12-24T18:59:00.004+01:00

A veces, uno se sienta en la sala de cine y tiene la sensación de que, en vez de viendo una película, está asistiendo a la exposición de una tesis doctoral. Y, claro, que me perdone mi amigo Iñigo, pero, por muy interesante que sea la tesis y por muy provechoso que sea para la sociedad el estudio llevado a cabo y la conclusión final, resulta aburridísima. Algo así es lo que hace Peter Mullan: presenta datos (léase "una sucesión de situaciones en la vida del protagonista") terribles, casi diría que objetivos, y desde luego, de un realismo feroz, con imágenes impactantes, pero no consigue enlazarlos para formar una historia con un mínimo interés.

Me confieso abiertamente admirador del señor Peter Mullan. Como actor (no hay que perderse su interpretación en Mi nombre es Joe) y como director (su filme Las hermanas de la Magdalena fue oficialmente prohibido por el Vaticano). No esconde de qué palo va y eso hay que agradecérselo. Así que está claro que ha querido hacer una crítica feroz al sistema educativo que imperaba en Escocia en los setenta, el que le tocó padecer (sospecho que se ha librado de unos cuantos fantasmas con esta película), un sistema educativo que, al decir de Mullan, era injusto, cruel y, en definitiva, una auténtica mierda, como el de ahora y como, me temo, el de dentro de treinta años. Lo único que parece haber cambiado es que ahora son los alumnos los que pueden agredir a los profesores, en una especie de justicia histórica.

Ni siquiera la gran interpretación de todos los actores (incluido Mullan, que se reserva un pequeño pero jugoso papel) salva la película. Pero, eso sí, el realismo (la verdad) que desprenden las caras y la forma de hablar de estos chicos es algo que tendrían que estudiar detenidamente los responsables de cásting y los directores de cine de todo el mundo.

FRANK

BALADA TRISTE DE TROMPETA - El circo ibérico mundial

2010-12-21T09:07:00.021+01:00

Muy a pesar de la imponente potencia de fuego de la artillería promocional de Balada triste de trompeta se trata sólo/ni más ni menos que de otra película de Álex de la Iglesia.

A estas alturas es un lugar común reconocer que Álex de la Iglesia es un director personalísimo con firma y planetología propia. Sería imposible ver Balada sin reconocer su autoría antes del tercer minuto de bobina. Eso es valioso porque el arte genuino, creativo y original lo es. Otra cosa es que te guste lo de este adolescente varado (de cuarenta y cincuenta tacos no obstante) e hipertrófico que revienta su mundo iconográfico a base de una inagotable serie de criaturas grotescas, hiperplásticas, esperpénticas y típicamente hijas de una estética cómic aderezada con abundante aliño gótico y gore. O sea, lo que le mola a un púber freak enclaustrado en su habitación y aislado del mundo por un cordón sanitario de cine B, manga, palomitas, tebeos (a ser posible X) y ciencia ficción. Eso es Tarantino y eso es Álex con más ternura, descaro y un bendito y perpetuo gesto risueño.

Pero no busques a Bergman en la peli pese a lo equívocas que han llegado a resultar muchas críticas de la arcabucería real, del gran aparato promocional. Está claro que el dire es ahora, entre otras cosas, El Gran Capitán de los tercios cinematográficos patrios y que el juguete ha costado más de la cuenta (lo que no acabo de entender es lo de Boyero, ese hombre enfadado que no sé cuando va de colega, de farol, de tripi o de coña y que ahora le parece Balada la Casablanca del cine nacional).

Para mí gusto El Día de la Bestia es la mejor y más rescatable de las hijas de celuloide de De la Iglesia. Por la frescura, la sinceridad y el thriller pretendido en un Madrid fabulado y maravilloso, entre poblachón manchego de fonda y baúl y New York City ibérico, con sus rascacielos y sus interminables noches de neón y heavy metal. Deliciosa.

Lo demás, aunque todo encantador, se hace, sospecho, más a pulso y con menos trozo del corazón invertido en ello o simplemente, con menos suerte.

Balada triste de trompeta (el título rebosa aspiraciones y fealdad) parte, aparentemente, de un pretendido guiño de madurez en el que habrá que reconocer a las dos españas dándose de hostias a perpetuidad (en el caso de Álex hostias siempre son chaparrones de hostias, sangre, vísceras, crujidos y huesos rotos, of course) y quizás cazar en la metáfora de los payasos psicóticos en persecución constante y delirante la esencia de las entrañas y los dientes negros de esta maldita piel de toro.

No sé, mucho grano para poco pollo me parece.

No obstante y puesto que ya somos mayores, jefes y ricos, la peli debía tener más caballos que ninguna, como las motos, que esta vez tenemos el juguete grande, así que el arranque (firma de la casa) será el más cañero de todas las pelis y cientos de fotogramas a todo gas de salvajada estética, tumbando en la curva durante toda la cinta en intensidad freak, onírica/onánista, surrealista y gore de plastilina, que es lo que nos mola.

A pesar de tanta dinamita se salva mal (si no se salva en absoluto) la distancia entre la pretensión de íntima lectura patria, dolor de corazón, emoción y compunción con los enanos volando, los elefantes, la trapecista y el payaso jodiendo, el hombre bala dándose de hostias en cada secuencia, la charcutería a tope y sobre todo la interminable persecución entre los dos payasos de manicomio, que agota a cualquiera (en eso muy Muertos de risa).

Hay a quien le gusta decir que el cine tiene que entretener, o que conviene (De la Iglesia, Boyero, etc). Lógico, el problema es que a mí Bergman me entretiene muchísimo más que Spilberg y Tarantino juntos. Ellos sin embargo se refieren justo a lo contrario. Es un maldito eufemismo. A pesar de reconocer los bichos tan simpatíquísimos propios de la casa, imprescindibles siempre, Balada triste de trompeta a mí me llega a aburrir y en ningún caso a emocionar (hasta ahí podíamos llegar) y por su puesto, a hacer reír bastantes veces.

Pero le sobra (kilo)metraje, aspiraciones y hagiógrafos.

PD1: Me siguen irritando las chapuzas (en absoluto intencionadas) de arte, secundarios, etc, o sea, oficio/industria sobre todo cuando hay pasta… con eso el cine español sigue desangrándose en espectadores enfurruñaos.

PD2: Antonio de la Torre empieza a ser un actor imprescindible (ya lo sabíamos). Carlos Areces se sale por los cuatro costaos (no lo sabíamos).

PD3: Con todo, lo mejor, de lejos, de Balada triste de trompeta es, sin duda, ver a un tipo que es exactamente Juan Manuel de Prada corriendo en pelotas por el mundo y padeciendo los infinitos y humillantes puteos a los que le somete un profesional absoluto del tema como Alex de la Iglesia. Un sueño húmedo.

ARM

POEMA PARA LOS MUERTOS - UN HOMBRE

2010-12-18T20:08:00.017+01:00

A mí me parece que una vida sin el Omega de Morente y Lagartija Nick al alcance de la mano, en la mesilla de noche, en la guantera del coche, no es una vida digna de vivirse.

...

No solloces. Silencio,

que no nos sientan.

F. García Lorca / E. Morente

Enrique Morente - Omega (Poema para los muertos)

Ahora todo es silencio.

ARM

DEGUSTACIÓN DE TITUS ANDRÓNICUS - De todo menos teatro

2010-12-12T01:28:00.013+01:00

Titus Andronicus es una tragedia de Shakespeare escrita a finales del siglo XVI. En este principio del siglo XXI las palabras del Bardo (el mejor dramaturgo de la historia con permiso de los del Siglo de Oro y del Valle-Inclán de mi buen amigo ARM) no tienen ningún valor. Lo importante es el espectáculo. Lo importante es colocar frente al público algo que nunca haya visto antes en una sala de teatro. Por ejemplo, un videojuego o un cocinero trabajando en sus fogones. Los más afortunados (entre los que me encontré) son invitados al banquete final y tienen el privilegio de degustar un exquisito plato acompañado de un buen vino de Rioja. Es lo que me salvó la obra. Espero que no fuera carne de ser humano.

Tan preocupada parece La Fura dels Baus por innovar y sorprender que se han olvidado de lo esencial (llamadme antiguo): el texto y la interpretación de los actores. Aunque hay que reconocer, eso sí, que no hay tiempo para el aburrimiento... hay que estar muy atento para averiguar por cuál de las cuatro esquinas salen los actores, para recoger los aperitivos que se van ofreciendo al público y, sobre todo, andar con mil ojos para no ser atropellado por alguno de los aparatos móviles que conducen los actores. En realidad, miento: sí hay tiempo para aburrirse. Preparar tanta parafernalia lleva su tiempo y el ritmo de la obra se resiente. Y, hablando de aparatos móviles, sospecho que no es fácil para un actor meterse en el papel cuando tiene que estar más preocupado por no aplastar un pie a una señora del público. O a un crítico la cabeza.

Con tanto ajetreo, con tanto alimento rondando por encima de mi cabeza, tentándome, con tanto moverme de un lado a otro evitando coches eléctricos que pasaban a mi alrededor mientras sus ocupantes lanzaban bolsas rellenas de arena a las enormes cuatro pantallas, una por cada pared de la sala, con tanto girar la cabeza de un escenario a otro y de éstos a las plataformas móviles que conducían los actores, perdí el hilo de la historia. ¿Por qué se matan? ¿Quién se venga de quién y por qué? ¿Quién es Tito, quién es Saturnino?

La Fura del Baus ha creado un estilo propio. Ha pasado mucha agua bajo el puente desde 1979. Su fama es merecida. Y buscan, en cada espectáculo, otra vuelta de tuerca más, algo que deje boquiabierto al respetable. Sin embargo, después de tantos años investigando desde la misma perspectiva de trabajo, creando el “lenguaje furero” (sic), el público ya no se puede sorprender. El verdadero reto sería montar una obra en un solo escenario, frente a un público sentado en sus butacas sin distracciones a su alrededor, sin necesidad de decorado, sólo con buenos actores y un mejor texto. ¿Serían capaces?

FRANK

BIUTIFUL - Quien mucho abarca...

2010-11-28T00:46:00.002+01:00

Hay que reconocer el mérito de Iñárritu de abordar el tema de los ilegales, de los "manteros", de los talleres clandestinos de los chinos. Parecía que existía una autocensura en nuestro cine sobre el tema, cuando lo vemos (y los usamos) casi a diario. Sin embargo, el director mexicano ha querido meter muchos otros temas en Biutiful y, ya se sabe, "quien mucho abarca...". Ni siquiera en las dos horas y media de película que dura la película caben tantos temas. Y aún menos si se pierden unos preciosos minutos en mostrar una espectacular persecución de "manteros" por el centro de Barcelona. Pareciera que el bueno de Iñárritu se quería dar el capricho. Innecesario.

Donde se encuentra definitivamente cómodo y sabe sacar todo el jugo dramático es en las secuencias de distancias cortas, ya sea en las más cercanas, esas que se dicen a media voz, en susurros, o en las más tensas que acaban a gritos. Iñárritu es capaz de sacar lo mejor de los actores en este tipo de escenas y seguramente sea eso lo que salva la película. Porque todos los actores cumplen a la perfección con su papel. Sí, señora, no se preocupe, Bardem lo hace muy bien, como no podía ser de otra forma: es un buen actor. Sin embargo, debido a su cuerpo, a su voz, a su cara, no resulta del todo creíble en su personaje: un marginal, seguramente ex yonqui y enfermo terminal. Tiene demasiada presencia física, en otras palabras. Claro que la culpa no es suya.

Supongo que es positivo que Iñárritu haya sabido encarar un proyecto sin su colaborador habitual, el guionista Guillermo Arriaga. Yo, la verdad, ya estaba un poco harto de las historias cruzadas a las que nos tenían acostumbrados (hay que agradecerles, eso sí, la genial Amores perros, pese a la presencia de esa señora a la que no denominaré actriz llamada Goya Toledo). Pero Biutiful tampoco llega a convencer del todo, aunque no se puede negar el valor de algunos momentos interpretativos y la intención de mostrar algunos de los secretos (?) de las grandes ciudades y la economía sumergida. Por otra parte, es, en cierto modo, irresponsable mezclar problemas sociales con poderes sobrenaturales. En definitiva, una película muy pretenciosa. Creo que con algo más de humildad Iñárritu haría un cine excelente.

FRANK

FLAMENCO FLAMENCO - El duende

2010-11-27T20:38:00.010+01:00

Asombro es el mínimo efecto esperable en los espectadores corrientes de las salas de cine al ver y oír Flamenco Flamenco de Saura. Es lo mínimo para no iniciados (que aquí decimos aficionados), es decir, espectadores occidentales que van por la M40 cada mañana a encargarse de penosas gestiones de marketing, couching, researching o investing. De ciudadanos contemporáneos que pasan sus tardes de sábado en un mall preñado de outlets para comprarse un ipad, algo para la play y que luego se entregarán al fitness o al chat en su mac.

Para estos individuos, o sea, el grueso de nuestros conciudadanos, ver a María Bala, cantaora de Jeré o a Rosario La Tremendita ejecutando un garrotín, una saeta o un martinete a pelo será algo parecido a lo que sintieron Magallanes y toda la tropa cuando desembarcaron en la Polinesia para presenciar un rito maorí: algo abisal, remoto, tribal, extrañísimo. Pues lo mismo, pero con más arte.

Los niños y los novios salen mejor retratados en el estudio que en el parque, sobre todo si son guapos. Y eso es lo que hace Saura con el flamenco, meterlo en el estudio de fotografía, tan guapo, tan gitano y tan descamisao como es, y ponerlo fino.

Meterle mano a la música en el cine no es fácil (fácil y bonito de mirar es el musical americano) ni siquiera tratándose del flamenco que es dramático y arrebatado. En él ocurren muchas cosas: gesto, voz, cuerpo, ritmo, timbre, la mirada, las manos, los pies… Es lo que pretende retratar Saura y apuesta por la solución del estudio, por intentar radiografiar la magia, ver y oler el cante y la piel de los artistas. Vivisección por cercanía.

Pero Saura lo que quiere de verdad es ser pintor y para eso trabaja siempre con Storaro (el culpable de la luz en Novecento, El último tango en París, El Último Emperador, Apocalypse Now y así) que se dedica, literalmente, a colorear planos de luces rojas de atardecer sobre los rostros y plata de luna a las espaldas, todas eléctricas y siempre en un cuadro.

Esto mismo lo ha hecho Saura ya cincuenta veces con esos otros cantes que El Cigala (que no aparece) llama “del alma”. Y con el flamenco en particular: Sevillanas (1991), Flamenco (1995) e Iberia (2005) y siempre es más o menos lo mismo, con la salvedad de que esta vez mucha gente va a ver la película y que es por fin, la más bella, por la fotografía, por su expresionismo exaltado.

Cabe una objeción urgente. El hábitat natural de el cante jondo y del baile flamenco no puede ser de ninguna manera la vitrina de un estudio fotográfico. Es un arte que sufre si se explanta de su territorio natural de barro, noche y desgarro. El grito del flamenco es una manifestación artística prodigiosa, taumatúrgica, espontánea y mágica aunque también sea cifra y número. El sentimiento, su dolor tan cálido y reconocible en el zapateao y en el quejío es la turba ígnea de un incendio subterráneo y secular, de un pueblo condenado a la migración y a la exclusión desde hace quizás mil años. El milagro de una expresión artística sublime que arrastra un sentido de colectividad, es el ADN de un pueblo sin el que el flamenco no se entiende: los gitanos.

Puede abundarse en una flamencología técnica o expropiar su exotismo para recubrir el cofre de las esencias patrias, como ocurrió en la exultación folclórica franquista (un sarcasmo tratándose de un arte marginal y migrante) o en los chaparrones de caspa carpetovetónica y pantojil. Las perspectivas pueden ser múltiples pero es imposible soslayar la impronta épica y trágica que lleva inscrita en su genética. Un par de musicales imprescindibles se hacen cargo de ello absolutamente: Latcho drom (1993) y Los tarantos (1963).

Se trata exactamente de eso, de ver y oír a indígenas expresándose a través de una forma de arte salvaje, complejo, riquísimo y estanco aún al devenir imparable de los tiempos modernos, de la las ilustraciones y la colonización cultural yanki (que explica tan bien el ínclito Paco Ibáñez).

Si cuando canta El Lebrijano se moja el agua, que decía García Márquez, en esta película cuando canta el Poveda se mean algunos y muchos rompen a aplaudir en la sala y ¡en mitad de la cinta!

Imagínate.

ARM

BON APPÈTIT - Comida rápida

2010-11-24T17:06:00.004+01:00

La historia no es nueva y la manera de hacerla tampoco. El resultado, entretenido pero nada más.

Daniel es un chico español, cocinero de profesión que prueba fortuna en Suiza porque intenta ser el mejor del mundo en lo suyo ya que quiere demostrar a su padre, con el que no tiene relación desde niño, lo que se ha perdido como padre. Empezamos bien [modo ironic ON].

Pero mira tú, que se enamora a primera vista de la chica del jefe y, en un alarde de profesionalidad, le tira el tejado entero. ¡Esta juventud!

Dani no hace ni caso al refranero español inmerso en una historia que encajaría a la perfección si cambiamos en el guión "cocinero" por "estudiante de Erasmus" pero se lleva cocinar historias de amor.

No es muy creíble la manera en la que se desarrollan muchos de los acontecimientos de la trama empezando por el hecho de que nuestro chico es el último mono en la cocina pero le da órdenes a todo el que se cruce por su camino. O que los tres amigos protagonistas lo dejen todo de un día para otro sin dar explicaciones y además conserven sus empleos.

Lo mejor de la película el personaje de Hugo. No me estoy refiriendo al físico (que también) sino al personaje en sí, un amigo como él lo necesitamos todos, alguien con las cosas claras. Otra cosa buena, la banda sonora y el final.

En fin, que ir a ver cine español sin expectativas empieza a ser mi solución particular ante la eterna crisis del sector. Así uno se puede decepcionar pero algo menos.

BEATRIX KIDDO

COPIA CERTIFICADA - Supergafas

2010-11-19T23:06:00.009+01:00

Un intelectual te suelta una conferencia (¿pero qué demonio es un intelectual? ¿y qué coño es una conferencia?). Puro cine francés. Vas a ver una peli y te calzan una conferencia, cojonudo. Así empieza la película de Kierostami, que encima, es iraní.

Si uno va de humano, a secas, al cine y ese día se le han olvidado las supergafas de visionado de alto cine francés (mal que sea iraní) saldrá de la sala habiendo visto una película confusa e irritante que no se acaba de entender. Trata de una pareja que en realidad no son pareja pero luego parece que sí y discuten. Discuten mucho.

La actriz es la Binoche, o sea divinidad olímpica como es sabido (véase Tres colores: Azul), podría estar pelando patatas o friendo unos huevos en la pantalla y la entrada quedaría prácticamente justificada, lo que disminuye en parte, la ansiedad y el cabreo por ver una historia sin pies ni cabeza.

Si te pones las supergafas (o/y eres jurado de Cannes o primo de un ídem o aspirante a crítico enterao-de-verdad) entonces todo cambia y lo que estás viendo es una invitación a reflexionar sobre la naturaleza misma del arte y la relación copia-original (¡), tema sobre el que versa la jugosa conferencia del intelectual del comienzo, el cual parece que le ha gustado a la Binoche así que flirtean y durante el largo paseo que dan por la idílica Toscana (dónde si no) y tras una trivial confusión en la que una señora les toma por matrimonio, ellos pasan a comportarse como si lo fueran, ¡y con veinte años de relación encima!, vomitando delante de la cámara todas sus frustraciones y reclamaciones recíprocas de ardua convivencia marital.

El crítico afrancesado detecta inmediatamente una sublime obra de arte que ofrece, obviamente, al torpe público la posibilidad de reflexionar sobre la impostura misma del arte, sobre la validez de esa copia que funciona igual que el original, o sea, ese matrimonio que no lo es pero ahora sí (¿lo pillas?), y funciona igual que si lo fuera y vale lo que ocurra en cada plano porque es muy real, porque cada escena se entiende muy bien por sí sola pero sin las anteriores, como cada nota en la música atonal aunque el conjunto carezca de armonía o el color de un cuadro de Rothko o de Pollock en los que resulta terriblemente ansiogénico buscar una figura, como seguir la linealidad del guión de Copia certificada.

Esto podría calificarse, con mucha precisión, de flatulencia intelectualoide, infatuación artística o ensoberbecimiento esquizoide. Pensar que copia vs original es todo un tema filosófico (especialmente tratado con esta rudeza) y pretender aportar algo al océano/asunto de la pareja imitando quizás a Bergman en su increíble Secretos de un matrimonio, es inocente y sobre todo, fatuo.

Esa lectura es la que yo hago, y me gusta la idea. Me hubiera gustado si no se tratase de un auténtico artificio intelectual, un puzzle, un examen al espectador. Verdadera hermenéutica cinematográfica que no puede ir a ninguna parte porque el cine, por visual, ha de ser, entre otras cosas, directo y porque resultan fallidos desde los temas de reflexión hasta los personajes.

Estoy bastante harto de las historias canónicas y me despreocupo de los personajes y sus peripecias. Me interesa el resto, la magia, la poesía, lo que ocurra como un chispazo en cada plano y en cada palabra. Me gustan las alternativas formales, pero siempre al servicio del disfrute aunque éste sea reflexivo y subjetivo. Por eso no me parece horroroso este tiro al aire de Kierostami (qué bonitos los tiros al aire y los brindis al sol, por dios), aunque perfectamente fallido, vacuo y pretencioso.

Lo que no soporto son las voces previsibles y engoladas que declaran a un artefacto como éste y antes de que empiece, de Obra Maestra.

Si acaso, pero de impostura.

ARM

LA VIDA LOCA - Las maras salvadoreñas

2010-11-18T22:09:00.005+01:00

Christian Poveda fue a El Salvador a rodar un documental sobre las maras y acabó con cuatro tiros en la cabeza. Convivió con una de las dos bandas rivales. Con el permiso de la otra. Aún no se sabe quién dio la orden de asesinarle.

La vida loca es el documental que este cineasta nos ha dejado como legado. Por el que murió. En la pantalla se ven jóvenes, algunos casi niños, que muestran sus tatuajes como enseña de la pertenencia a la banda, a la mara. Un grupo que les hace sentir que pertenecen a algo. Una salida donde no hay salida. Un 18 tatuado en la cara, en los brazos, en el pecho, porque ése es el nombre de la mara, la Dieciocho, rival de otra, la Salvatrucha.

Una ONG trata de sacar a estos jóvenes de su sitio, de la calle, de las drogas, de las pistolas, montando una panadería. Ése fue el resquicio por donde se coló Christian Poveda para meter una cámara en todo el meollo. La panadería es la excusa. Para el documental y para estar allí trabajando, o haciendo que se trabaja, pero fuera de las calles. Pero, al final, siempre llegan dos tiros, ¡pum, pum!, y todo vuelve a empezar. Es un eterno retorno. Cuando parece que hay una salida... ¡pum, pum!

Hay funcionarios de justicia que no hablan el mismo lenguaje que los integrantes de las maras, así que están condenados a no entenderse. Hay sacerdotes que les aconsejan que sigan el camino de Dios y no el de la violencia, pero ¡pum, pum!, el poder de Dios no es suficiente para detener esas balas. Hay partos de críos que crecerán y vivirán como sus padres. Porque no hay salida. La última secuencia del documental es un grupo de niños pegando patadas a otro que se encuentra en el suelo. Falsa alarma, sólo era una prueba. La prueba para entrar en el camino que les llevará a la muerte. No hay otro. Lo único real es la certeza de que falta poco tiempo para celebrar otro funeral.

En los funerales, se oye una letanía que parece un rezo, pero es una suerte de himno de la mara, un himno que es un símbolo de pertenencia, como los tatuajes, como la paliza que reciben para ser aceptados en el grupo, como la forma de hablar, como el gesto de la mano, símbolos que significan "la unión hace la fuerza". Sólo que ¡pum, pum!, la vida acaba pronto. Ya.

No se ve una sola pistola en todo el documental (excepto las que porta la policía).

FRANK

Web del documental

Artículos sobre el asesinato:

http://www.elpais.com/articulo/internacional/Christian/Poveda/fue/asesinado/maras/le/tomaron/confidente/elpepuint/20090910elpepuint_16/Tes

http://cronicasperiodisticas.wordpress.com/2009/12/21/%C2%BFquien-mato-a-christian-poveda/

http://www.soitu.es/soitu/2009/09/28/actualidad/1254132613_210313.html

Muestra de cine palestino en Madrid

2010-11-17T23:27:00.002+01:00

Programa completo aquí.

Sedes de la Muestra de Cine Palestino:

-Pequeño Cine Estudio
C/ Calle Magallanes 1, Madrid.
Metro: Quevedo, San Bernardo
Autobuses: 16, 37, 61, 149

-La Boca. Espacio de Cultura
C/ Argumosa, 11, Madrid.
Metro: Lavapiés
Autobuses: C1, C2, M1, 27, 34, 36, 41, 119

-Filmoteca Española (Cine Doré)
C/ Santa Isabel 3, Madrid.
Metro: Antón Martín
Autobuses: 3, 6, 10, 14, 18, 19, 34, 37, 41, 59, 65, 86, 119

-Ateneo de Madrid (salón de actos)
C/ del Prado, 21
Metro: Sevilla, Antón Martín, Sol
Autobuses: 5, 6, 9, 15, 25, 27, 32, 34, 51, 52, 53, 57, 150

MIS TARDES CON MARGUERITTE - No te sentirás engañado

2010-11-17T19:07:00.004+01:00

Esta película no engaña. Desde el cartel y desde el título se promete lo que se va a ofrecer. (Esto puede parecer una perogrullada, pero la verdad es que muchos carteles, títulos, trailers, elecciones de actores, ruedas de prensa, estrenos con pasarela de fotografías... están diseñados para engañar.) Mis tardes con Margueritte ofrece lo que promete: una viejita deliciosa y un bruto camionero que se hacen amigos. Mis tardes con Margueritte cumple. Y eso ya es mucho.

Gérard Depardieu está inmenso. Tanto en lo interpretativo como en lo físico. Es un actor que ya no tiene nada que demostrar y parece más preocupado por la buena vida, entendida ésta por disfrutar del buen vino y la buena comida. Y, claro, así se ha puesto. Pero, me van a perdonar los gerifaltes de Hollywood, parece una persona normal, de las que vemos por la calle todos los días, y eso da mucho valor a un personaje real como es este camionero al que la vida le da una oprotunidad y la aprovecha.

Y la señora Gisèle Casadesus no le va a la zaga. Maldita sea, ¡no puedo resistirme al tópico: es un precioso duelo interpretativo! Pero es mucho más. Es una preciosa historia capaz de emocionar al espectador y de provocar más de una risa. (¿Otro tópico?) Todo contado con sencillez y resuelto con agilidad. ¡Que te alegra la vida, vamos!

FRANK

19:30 - La intentona

2010-11-14T23:14:00.008+01:00

El poder sigue siendo el mejor compañero de cama del arte, después de tantos siglos de pintores, arquitectos y plumillas de la corte. ¿Qué serían los USA, o sea El Imperio mismo, sin la imagen proyectada por Hollywood? Nada, un nombre vacío (o repleto de ojivas nucleares), sin narración fundacional, sin cara, sin lifestyle, sin sueño americano.

Luego está el arte tocapelotas, el chinche, el que pone en circulación objetos subversivos, de denuncia del statu quo, de los poderosos, de los que cortan el bacalao. El tipo del espejo del emperador, La Corte de los Milagros o el vómito punk. Resulta casi siempre inocuo en lo fáctico, lo sabe bien gente como Kissinger, por eso no pasa de chinche, de escupitajo a un blindado y es rápidamente fagocitado, digerido y… asimilado por el sistema. El Corte Inglés vende moda punk, Kate Moss y las chicas del PP llevan palestinos cool por Serrano, y nadie, nunca jamás, leerá La Corte de los Milagros.

Sin embargo, además de simpático, entretenido y vivificante, levantarle las faldas al poder sigue resultando higiénico, casi imperativo. En el rarísimo caso ibérico es absolutamente necesario, como el güisqui en un cubata, hacer ya, ayer, cine, música, literatura, teatro, tebeos, politonos, lo que sea, sobre nuestro patio político. Será muy difícil encontrar un escenario tan fértil y propicio: por cutre, zafio, grosero, ridículo, absurdo, delirante y cainita. Esperpéntico en fin.

Maquiavelo decía que nuestro Fernando El Católico era un ejemplo de “nuevo príncipe”, o sea, cínico, agudo, eficaz… maquiavélico. Yo supongo que el autor de El Príncipe no veía la tele o que a Florencia llegaban los periódicos muy caducados. Como sea, de eso aquí ya nada.

A ratos hemos tenido buenos francotiradores, en cine, teatro y literatura. ¿Y ahora que disponemos de unos parlamentos a los que sólo les falta el toldo rojiblanco y los elefantes, qué? Echo terriblemente de menos un In the loop nacional.

Hete aquí una intentona: 19:30

La cosa es, pongamos, un PP/PSOE por dentro, en pleno fárrago “de aparato de partido” (se dice así), en la cocina de las ruedas de prensa de mentidos, desmentidos y supermentidos, de corruptelas, mordidas, untos e indignidades varias, de ellos más, razón de estado y manolo-que-nos-borran… 19.30 resulta una obrita correcta, operativa, esforzada que funciona sin mayores catástrofes: se entiende, hay risas, entretiene, etc, todo lo que le dijeron cuando compró la entrada, señora. Y la gente, sospecho, sale contenta. ¿Qué quieres más, Tomás?

La obra escrita por Patxi Amezcua, si bien pertinente, aseada y bienintencionada ha quedado un tanto cándida, tentativa y previsible. Por mi parte seguiré esperando algo más afilado, más corrosivo, más sutil y menos obvio.

Para entendernos, echo de menos La escopeta nacional, esa cumbre del realismo ibérico (algunos despistados creen que se trata de un esperpento, no ¡por dios!, retrato social aséptico, naturalismo puro y duro).

Y va Berlanga y se nos muere.

Será cabrón…

ARM

TUTTO PER GINA. Alegría musical

2010-11-11T11:36:00.004+01:00

Algunos psicólogos dicen que más del 50% de lo que comunicamos se transmite a través del lenguaje no verbal, pero después de ver Tutto per Gina estoy convencido de que puede ser algo más, incluso siento que podríamos sobrevivir en un mundo sin palabras, tan solo comunicándonos con muecas y música. Tutto per Gina es una obra de difícil clasificación, supongo que pertenece a la comedia musical, pero quizás se acerque más al teatro de Tricicle con unas gotas de cine mudo americano y algo de homenaje a los musicales de los 50. Tampoco importa mucho. La comedia nos presenta a cuatro hombres que van haciendo frente a las vicisitudes de la vida (al estilo Charlot) por medio de canciones y gestos, siempre acompañados de un cuadro de Gina Lollobrígida, su musa, a la que jamás abandonarán. La obra está centrada en el lucimiento de los cuatro actores que cantan a capela casi cualquier registro y son capaces de imitar bandas sonoras entremezcladas con cada situación. Nuestra memoria musical está desbordante de canciones que asociamos con estados de ánimo –nuestra primera colonia, nuestro primer beso, nuestro primer coito…- y es inevitable no parar de reír, pero es una risa de admiración, de esas que te dejan cara de bobalicón. Y es que el espectáculo ha sabido explotar las posibilidades cómicas de todo ese imaginario.

El músico Santi Ibarretxe es la cabeza pensante de esta compañía llamada Primital Bros, que ya han montado varios espectáculos, aunque puede que a más de uno le ahuyente ese olor a rancio que desprende últimamente la palabra musical. Pero no amigos, esto no es otro espectáculo empalagoso de cantantes chillones en mallas sobre otro grupo en horas bajas de la movida, o un nuevo éxito de Broadway cantado por Camilo Sexto o los grandes temas bailables de Zapato Veloz en la voz de Chayane. No os preocupéis.

La historia de este Tutto per Ginna es claramente un pretexto y lo que importa son la capacidad vocal de estos cuatro actores, un género supongo poco explotado en España porque el repertorio tira de éxitos muy predecibles: James Bond, Mr. Sandman, Beach Boys… quizás si siguen montando espectáculos parecidos se centren más en la historia y le den alguna vuelta de tuerca más. Pero no lo digo con acritud ni vinagrismo, porque yo soy un enamorado de la capela y la practico frecuentemente con mis amigos a la menor ocasión. Tutto per Ginna es un oportunidad para pasar un buen rato y dejase contagiar por la alegría de vivir que da la Música. Sin palabras.

Pitu

http://www.youtube.com/watch?v=sj5Gj4LdFys

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP - Pintar algo

2010-11-07T19:20:00.008+01:00

Claro, si Bansky quiere hacer un docu lo tiene jodido porque el tío es de lo más secreto, suburbial y underground. Pero tío, si eres Bansky puedes. Esa es la ley.

Exit Through the Gift Shop es un artefacto francamente (que diría Gomaespuma). O sea raro-que-te-cagas. Se trata de una película sobre Bansky que no trata de Bansky sino de una enigmática figura con la cara borrada y la voz transformada (hay que ser muy guay para aparecer así en un docu, no creo que el muchacho tenga problemas de autoestima) que comienza a contarte una historieta pedestre, desgalichada y rodada con unas cámaras de video que podría usar mi abuela. La historia sería un auténtico portento de guión si lo hubiera tenido (primera incógnita). El protagonista es un francés completamente tarado que graba toda su vida en videos caseros y por casualidad comienza a filmar a “artistas callejeros” muy “famosos” ("¡Coño! ¡pero si es el mismísimo “Space Invader!” –exclamo atónito al reconocer al primero–, "¡Leñe! ¡si se trata de “Obey” en persona! –no dejo de entusiasmarme– y así) y de ahí por un complejo birlibirloque accede a Bansky, el macho alfa del street art, el cual luego se tendrá que hacer cargo de los videos grabados por el franchute tarado porque no tiene ni pajolera idea de qué hacer con ellos y resulta que en el proceso, el francés padre de familia y tendero en LA, se va transformando en otro artista callejero o pop o nosequé y se hace millonario delante de las narices del espectador. Así de raro.

Primero, en todo este galimatías nadie se aburre ni se desentiende de la cinta un momento. Éxito rotundo.

Segundo, inmediatamente piensas que te la están dando con queso, que es un falso documental. Ahora todos somos modernos de morirse y aunque yo gaste pantalones de tergal y zapatillas de felpa de cuadritos sé muy bien qué es un fake, un viral y un hype (y cosas perores) y la peli huele que mata. Sin embargo parece ser que no, que todo ocurrió así, que es la realidad y la vida, lo dice Internet y lo pone en los periódicos… Me da igual, ¡todo esto es mentira! (que no te estropee la realidad una buena mentira).

Tercero, te ríes y con la maldita gracia de que parezca un accidente, de que los chistecillos y sarcasmos sean accidentales más que espontáneos, de puro idiota. Puede, pero cuando eres muy mayor sabes que nada es un accidente… pese a que estos malditos grafiteros engañan muy bien.

Cuarto, la peli, como el propio street art, termina como empieza, en una perfecta vaciedad, o sea, pura postmodernidad, absoluta y esférica futilidad. Ni siquiera cinismo, impostura, nihilismo o frivolidad, "nada" que es mucho más vacío. Colega, si eres un movimiento alternativo, original, transnacional, artístico, con tirón, guerrillero, revisionista del arte, reivindicativo del espacio público, de resistencia alegal contra lo institucional, etc, di algo, algo… lo que sea: “no hay futuro”, “peace”, “imaginación al poder”, “presupuestos militares pa cervezas en los bares”, “muera Gates viva Mac” o "nadie sin su gorra" yo que sé, pero tío, no pintes mi puerta sin saber por qué, ¿vale?

PD: Bansky es bueno porque currándoselo mucho puede llegar a querer parecerse de perfil, un día, a las tres, durante un minuto a El Roto, vale.

PD2: ¡Qué no pintes mi puerta coño!

ARM

PAN NEGRO - Por fin

2010-10-26T10:59:00.008+02:00

Si te dicen que Pan negro va de un niño y (pos)guerracivil seguro que no vas a verla. Y te equivocarías. Pa negre (v.o. en catalá) es un peliculón que lo tiene casi todo aunque, por supuesto, no te cambiará la vida (eso ocurre pocas veces, hace años yo era folklórica de revista y mira…).

No creo que las películas escritas sobre una novela sean mejores (al final lo que se puede contar es lo que cabe en un guión) pero sí que son distintas. Es fácil detectar en cada personaje una historia de verdad, muchas vidas y un escenario que se ensancha y profundiza recreando un mundo más mundo, es algo reconocible desde el primer minuto de película. Pa negre está basada en una novela de Emili Teixidor, de hecho, la película es tan densa en fondos humanos, simbólicos y dramáticos porque es hijastra de todo el universo narrativo de Teixidor (auténtico niño de la guerra) incluyendo un relato fantástico e intensamente poético: Retrat d’un assassí d’ocells (Retrato de un asesino de pájaros), epígrafe de una parte sustancial de la película.

Generalmente no se sabe qué es lo que hace de una película buena o fallida. Yo sí lo sé, amiguitos, lo de esta peli tiene tres patas: ritmo, actores y dirección artística. Agustí Villaronga (¿dónde se habría metido este tipo todo este tiempo?) ha conseguido mantener con pulso magistral todo el metraje en un ritmo casi barroco de tres por cuatro sin perder el compás ni un solo plano en una película de realismo tan naturalista (hay escenas durísimas que le quitan el sueño a más de un espectador durante días) como poético y consigue, a pesar de la velocidad, que ningún espectador se salga de la cinta ni por accidente.

Los actores están deliciosamente contundentes en su naturalidad, hasta el punto de que Sergi López y Eduard Fernández (dos gigantes) no marcan una (habitual) diferencia con los demás. Está claro que hay directores que logran poner a bailar al personal sin que nadie meta la gamba y está claro que en la cosa ibérica quizá se cuenten con una mano.

Y, oh por fin, por primera vez desde hace mucho en el cine patrio (ojo que a lo peor para los productores es cine patrio pero de otra patria, sólo los elfos lo saben) la dirección artística es protagonista en el buen sentido, porque pá cagarla (como en el chiste de las rubias) el arte es prota demasiadas veces en que la omnímoda presencia de disfraces y decorados de cartoncillo y serpentinas te sitúa inmediatamente en un contexto farmacia-de-guardia, se llame Laberinto del fauno o Celda 211 (es frecuente preguntarte de dónde habrán sacado esos “disfraces” de poli tan molones al ver pelis nacionales). Quizás resulte que eso que llaman industria del cine vaya a arrancar de una vez, al menos en Cataluña, después del chorraco de pasta que sus sibilinos rectores políticos llevan inyectando desde hace ya unos añitos y sin resultados muy aparentes hasta ahora.

En Pan Negro no hay ni buenos ni malos, ni si quiera uno. Todo depende de la información y del punto de vista, a medida que se va completando cada personaje acaba por resultar perfectamente jánico, bifronte sin que el espectador vaya a poder quedarse a ninguna carta. No me hubiera gustado de antemano un planteamiento así, sin embargo resulta tan eficaz el desvelamiento progresivo de los caracteres según se mira desde otro ángulo y tan obsesivo en el autor no dejar ni un hombre sin mácula o sin sospecha que la película se te queda flotando en la sesera y en el estómago unos días, quizás más.

ARM

WALL STREET 2: EL DINERO NUNCA DUERME. (El espectador, puede)

2010-10-22T18:49:00.005+02:00

Hace poco leí en un artículo sobre la importancia del género western en la historia de Estados Unidos. El western constituye en sí mismo una mitología en la cultura americana. Faltos de una base cultural más solida, como en Europa o Asia, la joven nación necesitaba de un medio que explicara sus orígenes y sus consecuentes principios - colonización, propiedad privada, uso de las armas, capitalismo…- y el género aportaba una visión salvaje y aventurera de su génesis. El cine, a su vez, se convirtió en un medio eficaz como forma de entretenimiento, como manipulación política o como catarsis colectiva. Una catarsis que parece haber resistido el paso del tiempo y que quizás explicaría esa imperiosa necesidad americana de hacer películas continuamente sobre los acontecimientos que suceden en su historia, como el 11-S, la Guerra de Vietnam o el asesinato de JFK. La actual crisis necesita de películas y a Oliver Stone le viene de perlas desempolvar la ochentera Wall Street y sacar del trullo a Gekko para explicar las inevitables consecuencias de los desmanes capitalistas. Claro que la película no aspira a tanto.
Y así es como vuelve el malvado Gekko, interpretado de nuevo por un Michael Douglas que parece haber nacido para el papel. Aunque esta vez el protagonismo recae sobre Shia LaBeouf, el nuevo actor caradeternoadolescente que adopta Hollywood, y que hace un trabajo correcto. Wall Street 2 sienta en la mesa a los codiciosos empresarios responsables de la crisis, pero no es una película sobre, sino ambientada en ella. Así que la trama principal se centra en un bróker con mucho futuro y sus relaciones sentimentales con la hija del villano. Eso sí, todo aderezado con un montaje fresco y molón para que entendamos bien los juegos visuales metafóricos, como el skiline de Nueva York a modo de gráfico económico o las pompas de jabón estallando como burbujas inmobiliarias-. La película se crece cuando aparece Douglas en plano quien consigue salvar esta insulsa historia hecha a base de gordos brochazos por un Stone en baja forma –si es que alguna vez la tuvo-. Seguiremos esperando una película definitiva sobre este catacroker económico, aunque no se preocupen. Va para largo.

Pitu

EL EVANGELIO SEGÚN SAN JUAN - El chamán de la tele

2010-10-20T10:28:00.010+02:00

Rafael Álvarez El Brujo (ya el alias es bastante molesto, no me digas) está dotado de una asombrosa capacidad para irritarme. No sé exactamente qué es lo que más me repele de él ni cómo lo consigue pero siempre acaba cabreándome. A pesar de esto y en absoluto llevado por mis acendradas y dignas tendencias masoquistas, acudo puntual la primera semana del Evangelio según san Juan, por éste último, el Evangelio de Juan y no por el chamán, conste (no obstante no sea que nos de una sorpresa...).

El evangelio de Juan mola porque es ese artefacto que alberga la mayoría de mecanismos, resortes y trucazos que montaron los que se hicieron con el poder político y social en aquel incipiente y poderoso cristianismo que podríamos llamar de segunda hora (lo que no significa de ninguna manera que hubiera habido uno idílico y de primera hora, of course... de "primera hora" más o menos, son los otros tres evangelios). Sobre esto hay ríos de tinta ensuciando papeles (y por motivos obvios, escasísimos lectores sobre estos papeles) que recogen esforzadamente una narración lo más cabal y contrastable de la construcción histórica de eso que ha sido y es el cristianismo (véanse las jugosas aportaciones de los papiros de NagHamadi, de Qumran, el grupo de Patmos… cualquiera de estas entradas en Internet harán las delicias del cibernauta). Hay mucho que contar, habría también mucha poesía que libar y puede, quizás, hasta teatro que montar.

Y sin embargo, en este Evangelio según El brujo, nada de eso. Para empezar la farsa, El Brujo no habla de estas cosillas, aunque hace como que sí. En efecto pareciera que la idea original de este montaje es una reconstrucción de este evangelio y el propio Brujo se nos presenta como un “experto” que “ha investigado mucho” sobre esto y lo demuestra, principalmente recitando y recitando incansable en griego, lengua original del librito. A parte de esto, el oficiante incluye alguna pincelada de color en forma de “narraciones antiquísimas de la Antigüedad Mediterránea” (dice él ampulosamente) y poco más, presentándose como un enciclopedista que sabe cosas que no te imaginarías pero blandiendo por todo escudo un par de citas de la Muy Interesante y unas pinturas de fondo con las que genera una especie de barrillo ilustrado en el que chapotea con fruición.

El planteamiento, valiente, pretende nadar entre las dos aguas bastante procelosas de un devoto cristiano que no debiera ofenderse en ningún momento y un ateo cualquiera que encontrara solvencia o si acaso poesía en el tinglado, pero por encima de todo, teatro: habrá de encontrarse una narración dramatizada en eso del Evangelio, si no ya me dirás, todos sentaditos en el María Guerrero, peinados a raya y esperando...

De todo lo que consigue El Brujo con más soltura es lo primero, no cabrear a los cristianos de los cuales, por cierto, estaba yo rodeado en el teatro (eso se sabe por detalles que no vienen a cuento, digamos que hay señoras del barrio de Salamanca pertrechadas de rosario manipular que no dejan lugar a dudas, además las sibilinas moiras quisieron sentarme junto a un célebre púgil de Chueca, capitoste señero de la caverna mediática y uno de sus más proteicos cancerberos que vivió la obra como una auténtica exaltación). El autor se disculpa y justifica a cada rato para no molestar a nadie, o más bien para no molestar a unos, porque sus chistecillos suelen apuntar hacia un único lado y desde hace tiempo reconozco en los chistes del Brujo un tufillo de farias, o sea de hombres muy hombres y “gente bien”, ya sabes . Qué lejos de un Bassi o un Fo que se dedicaran a triturar el asunto y hacer arte (o intentarlo) desde el desmontaje más o menos ilustrado, más o menos contestatario del cuento evangélico.

Nada más lejos en la propuesta de El Brujo en la que siguiendo los caminos de una supuesta narración muy dramática que en ningún caso, le parece a este espectador, es narración ni dramática, utiliza su celebre y ya cansina voz de juglar. Baja constantemente al fanguillo del chiste fácil ¡y encima blanco! (salvo para mentar a la Ministra de Igualdad y por ahí), tanto es así que vuelve a justificarse con el propio texto apuntando que “esto no es el club de la comedia” precisamente en los momentos de humorismo más zafio en los que se bromea con la rabiosa actualidad, cayendo exacta y precisamente en un intragable club-de-la-comedia canónico.

Está claro que El brujo gusta mucho y yo no sé muy bien por qué. Lo suyo es el género juglaresco y quizás bufón de la escuela de Fo (o eso querría él) lo cual es más que deseable y muy atractivo para el personal que seguramente es lo que aprecia en sus bufonadas cuajadas en cada representación desde hace años de bromillas mucho más propias del monólogo de la tele. Es probable que el fracaso de su propuesta sean exactamente sus aspiraciones de autor. Recuerdo con mucho gusto un Lazarillo adaptado por Fernando Fernán Gómez y ejecutado por El brujo de lo más deleitoso. Y puede que la erupción que me produce el personaje tenga que ver justamente con esa extraña fiebre megalomaníaca que le lleva a montar y escribir un espectáculo cada año y en los que se atribuye unas capacidades y reconocimientos de los cuales me parece que carece, baste ver cómo se toma la licencia de exigirnos al público un triple aplauso final a base de no acabar de acabar nunca, un paroxismo onanista del autor que organiza su texto para concluir en un infinito éxtasis de reconocimiento a sí mismo, ¡por dios!, qué dañito.

ARM

BURIED - Secuestro en Youtube

2010-10-16T18:08:00.004+02:00

Buried, Enterrado: Pues el título no deja lugar a muchas dudas del argumento de la película ¿no?

El buen guión de Chris Sparling consigue que, durante la hora y media que dura la cinta, el espectador, desde su cómoda butaca, comparta la claustrofobia, agonía y desesperación de un conductor de camiones que no tendría que haberse movido de su casa en aquel día.

Un secuestro en un ataúd lo que convierte el zulo de Ortega Lara en la Suite Nupcial del Palace y donde el protagonista, Paul Conroy (un poco ingenuo, todo sea dicho) emprende una lucha contra el reloj para intentar salvar su vida para lo que dispone de un teléfono móvil y poca cobertura.

Una lucha en la cual esta más solo que la una, todo aquello en lo que confiaba puede que se esté derrumbando a cada minuto lo cual aporta una dosis mayor de angustia.

Para mí la película tiene una evolución interesante desde un punto de vista social con cada intervención telefónica. Todos estamos tan enterrados como el protagonista. Todos estamos atrapados y todos nos ahogamos.

No es que sea un tema especialmente original (tenemos antecedentes en Kill Bill y en algún capítulo, dirigido también por Tarantino, en un derroche de creatividad, de una serie estadounidense) pero no por ello deja de ser interesante.

Tan sólo 15 días de rodaje que dejan un resultado bastante bueno.

BEATRIX KIDDO

BURIED. Sin trucos.

2010-10-12T18:50:00.004+02:00

Lo consiguió. Rodrigo Cortés primero convenció a los productores, luego a Ryan Reynolds, después al jurado de varios festivales y finalmente al público que ha salido satisfecho y atormentado de las salas, como pretendía el director. Una propuesta que tiene bastante de atracción de feria, pero que no deja de ser un manual cinematográfico que demuestra el talento de Cortés: haga usted un filme con los siguientes elementos: soldado, ataúd, teléfono y mechero. Tiempo. Y es que toda la trama permanece dentro del cajón; ni un solo flashback, ni una sola brizna de aire, solo a través de una dirección y un montaje clavados consigue mantener nuestra atención durante una hora y media en la que un soldado secuestrado en Irak trata de que le liberen de su propia tumba. Una pesadilla que logra salvar la sensación claustrofóbica (que dura los primeros 5 minutos) a través de empatizar con el sujeto, un buen uso de los elementos y un final potente potente. Pero para amantes del género o estudiantes a director, eso sí.

Pitu

EL GRAN VÁZQUEZ - La familia

2010-10-07T20:42:00.004+02:00

El cartel de El gran vázquez es muy sincero y explica perfectamente lo que te vas a encontrar si pagas y pasas.

Ya se sabe que Vázquez es la firmita que aparecía al final de las viñetas de Anacleto agente secreto, Las hermanas gilda y así. O sea, más o menos el padre de Ibáñez que a su vez era el autor de Mortadelo y Filemón, Rompetechos, 13 Rue del percebe, Pepe Gotera y Otilio y todo eso, casi nada.

El caso, y por el increíble azar que propicia el suelo ibérico (dan muchas ganas de hacer una lectura en la que unes por las patitas las palabras picaresca, miseria e ingenio) el mismo señor que dibujaba los cándidos y entrañables tebeos infantiles, a los pechos de los cuales nos hemos criado todos los españoles de la segunda mitad del siglo XX, era un pieza de mucho cuidado, un tipo atómicamente anómalo y brillante que parece ser, se dedicó toda su vida a vivir a salto de mata practicando el noble arte del sablazo (mucho más hispánico que el samurai de Japón, dónde va a parar), un vivalavirgen (según sus múltiples y estafadas mujeres), un tipo cuya biografía es una escalada constante hacia el-más-difícil-todavía y en el que entre viñeta y viñeta procuraba conseguir el máximo tiempo posible, es decir, el máximo dinero posible de cualquier manera, siempre chunga y genial, para poder gastarse la pasta exactamente igual, de cualquier manera.

El personaje es dignísimo acreedor de un largometraje (y de varias novelas) y más aún si se tiene en cuenta el escenario de esa España atrasada, atascada, casposita, gris y demencialmente aburrida para el común de los mortales de finales de los cincuenta y sesentas, llámese en este caso Barcelona, con su suburbano barrio chino, etc.

Los chicos de la peli han optado por devolver el tributo por la vía del tebeo (¡jamás cómic!) con lo que ello acarrea estética y narrativamente. Así que todo es muy pop, muy tierno, muy expresionista, muy coloreado, muy de cartón y cartulina: muy tebeo. Y por lo mismo, no importa que Santiago Segura lleve una peluca brillante de nylon y etc, etc. Vale, pero sospecho que esto se soporta porque es el álbum de comunión de la familia, o sea, porque todos somos acreedores de esa infancia y ese mundo de Bruguera, Vázquez y compañía y lo reconocemos perfectamente, por eso la peli se ve con condescendiente ternura, de lo contrario y habiendo nacido en Düsseldorf intuyo que me acordaría mucho de la madre del productor (es un suponer).

El chulazo de Boyero dice que ésta le ha gustado más que todas las de San Sebastián. Lo dice por supuesto porque previamente le han contado que era mala y que Segura era Torrente, o sea, por joder. A pesar de lo que diga el vinagroso de Boyero (mis reverencias) el omnipresente Santiago Segura sí que hace de Torrente (véase cartel otra vez, ¡por dios!) y no creo que por imposibilidad de registro (sin ser un verdadero actor el tipo se maneja de lo lindo en unos cuantos papelitos simpatiquísimos que ha ido perpetrando) sino porque Vázquez se parece pavorosamente a Torrente, con eso es difícil distinguir, pero ahí tenemos a Torrente (tela!) haciendo de Vázquez.

Spain…

ARM

AMADOR - Las piezas encajan

2010-10-06T17:29:00.002+02:00

En este país parece que todos los directores se creen grandes contadores de historias y escriben sus propios guiones (sí, ese que estás pensando, también). Pocos son los que contratan a un guionista profesional para hacer el trabajo. Pagar a un guionista supone muy poco dinero respecto al coste total de toda la producción y, sin embargo, pocos productores lo hacen. Será porque les interesa un pepino contar, no sólo una buena historia, sino que esté bien contada. Luego todos gastamos saliva en discutir las razones de la baja calidad del cine español. ¿Quién dijo "en una película hay tres cosas importantes: el guión, el guión y el guión"? No lo recuerdo (ni lo encuentro en Google).

Fernando León de Aranoa es uno de los pocos directores que cuidan el guión (no en vano, trabajó de guionista antes de dirigir). Te pueden gustar más o menos los temas que trata y te pueden gustar más o menos sus películas, pero no hay duda de que se ha currado el guión, de que le ha dado vueltas una y otra vez hasta que ha conseguido que todo encaje como un rompecabezas. Sin trampas, honestamente. En Amador, además, recupera, dicho sea de paso, alguno de los motivos narrativos de su cortometraje Sirenas.

Como es habitual, León de Aranoa se acerca a la realidad social. Esta vez mezcla la inmigración y la tercera edad en una historia a la que le falta algo de crudeza y otro tanto de ritmo. En particular, la protagonista, Magaly Solier, llega a exasperar con esa actuación taaaan lenta, tan monótona, que, por momentos, parece que va a ser capaz de detener el tiempo. Pero, en fin, el tiempo pasa y la película avanza (pese a la buena de Magaly) y llega el final, que no decepciona, como, en términos generales, la película.

FRANK

CICLO FELLINI EN CAIXA FORUM - No sé si merece la pena

2010-09-27T23:28:00.002+02:00

Después de ver la estupenda exposición dedicada a Federico Fellini en Caixa Forum Madrid, un completo repaso por las diferentes etapas de su obra y por sus fuentes de inspiración, decidí acudir al ciclo de cine y volver a disfrutar de Amarcord.

Lamenté no haber llegado a la conferencia que se celebró justo antes de la proyección. Sin embargo, pronto comprobé que no tenía de qué lamentarme. Llegué a la sala cuando aún se celebraba y se trataba de ¡¡¡una grabación proyectada sobre la pared!!! Una señora aparecía en la imagen (en diferido) mientras disertaba sobre el cine del italiano mientras se insertaban algunas escenas de las películas de las que hablaba. Al acabar, le aplaudí, pero nadie secundó mi gesto. Levanté la mano para formular una pregunta (interesantísima, claro; con decir que sujetaba unas gafas de pasta que cogí prestadas de mi acompañante para investir de total autoridad a mi pregunta), pero no había nadie a quien preguntar, a no ser que fuera a una pantalla donde ya sólo se veían técnicos de sonido recogiendo micros y cables.

¿Es ésta forma de fomentar el debate cultural? ¿Que aparezca un busto parlante cual presentadora de televisión y que cuente LA VERDAD? ¿No es esto una forma de imponer un solo punto de vista? No es que la opinión sobre el cine de Fellini sea un tema que pueda afectar a la seguridad del Estado o a las libertades individuales, pero creo que el cineasta italiano se merece una mínima diversidad de opinión.

Pero ahí no acabó todo. Comenzó la película y la proyección se veía distorsionada, ya que la pared no era lo suficientemente grande para contener toda la imagen y ésta se deformaba tanto en la parte superior como en la inferior.

Por último, me gustaría señalar que, si se programa un ciclo de cine a las ocho de la tarde, lo normal es entrar en el centro sin que un maleducado guardia de seguridad te pregunte adónde te diriges como si fueras un común delincuente.

FRANK

TODO LO QUE TU QUIERAS - Tumbando en la curva

2010-09-27T10:55:00.005+02:00

La filmografía de Achero Mañas es contundente, hay algo de boxeador en este director y en su cine y seguramente, mucha biografía. Mañas es un narrador, un cineasta de guión bruñido, preciso y tenso como una piedra pómez, que cuenta una historia muy viva, llena de carne y de tendones. Todo lo que tú quieras (si ves el trailer ya has visto la peli) es una película frontal y valiente como El Bola, en la que Mañas tumba más aún en la curva y se juega el tipo poniendo al espectador ante escenas amargas, un planteamiento difícil, desnaturalizado e incomodísimo, ¡con una niña de cuatro años de prota! y sale vivo con una peli ortodoxa y aseada en lo formal hasta la naúsea, o sea, ejemplar.

En medio de la sorprendente peripecia que protagoniza un Juan Diego Boto que siempre será un actor capaz de resolver pelis de mérito y dificultad interpretativa, empedradas de secuencias altamente voltaicas y espinosas, pero que nunca sacará en la curva esas décimas que diferencian al bueno del superclase, aparece José Luis Gómez incrustado como una obsidiana en un anillo, brillando como siempre, ajeno a la historia y resolviendo un personaje mágico, estético, emotivo y cardíaco en un inesperado homenaje a las viejas mariquitas y "transformistas" de los amargos setenta de alegalidad homófoba, palizas a discreción y marginación extensiva, empujando elegantemente la cinta fuera de la maldita normalidad.

Todo lo que tú quieras mantiene un tono de tensión entre el drama y la ternura de una comedia, amarga pero no insoportable a pesar de no ahorrarte dos o tres directos al mentón... ¿pero quién dijo que esto fuera Bambi?

ARM

CARANCHO - ¿Ficción?

2010-09-23T00:38:00.001+02:00

Carancho es un largometraje que trata de la corrupción, de la mafia. Otra vez esa clase de personas que se aprovechan de los débiles para regar su avaricia. Sí, existen. Aquí, en Argentina y donde haya gente con dinero de por medio.

El director, Pablo Trapero, cuenta la situación de corrupción que existe en Buenos Aires en relación con los accidentes de tráfico. La película comienza dando las cifras de la cantidad desorbitada de siniestros que ocurren cada año. Sobre esto y sobre los seguros, abogados y policías que se benefician feamente de las desgracias ajenas trata Carancho.

Una historia que podría ser real. Claro que con un toque de intriga y acción muy bien narrado. Se ve que Trapero sabe cómo quiere contar las cosas y así lo muestra con el buen trabajo del equipo de fotografía. Una cámara que se mueve, muchos primeros planos y pocos cortes que dan una sensación de realismo brutal, principalmente en las escenas de acción. Aunque también he de decir que allá por la hora y pico perdió la tensión creada, el interés. Quizás es debido a que hay muchos escenarios idénticos, con los mismos personajes y a mí me dio la sensación de que en mi mente se creaban flashbacks de dos segundos que pronto se desvanecieron con los diálogos. Pero (¡ayyyy!) le falta algo ahí en medio.

A mí me gusta bastante Ricardo Darín, como actor. Y no me ha defraudado en la piel de Sosa. Representa a un abogado que ha perdido su licencia para ejercer y trabaja para una de las compañías estafadoras. Este estilo de tipo decadente y con problemas le queda muy bien. Luján es una médico del servicio de urgencias, una gran luchadora y trabajadora con adicciones. Martina Gusman me resulta tremendamente natural en este papel y esto, para una actriz, debe ser un piropazo.

Quizás no se convierta en una de mis pelis del “top ten”, pero está bien hecha y cuenta una historia interesante con su punto de realidad.

JOSEPHINE

P.D.: Mi hámster no hubiera hecho mejor la fotografía. Dice que a él también le gustó aunque, claro, él es más de Stuart Little.

NOTHING PERSONAL - Sencillez deliciosa

2010-09-22T18:40:00.001+02:00

¿Cuántas palabras se dicen en esta película? ¿Alguien las puede contar, por favor? ¿Ochenta, cien? Desde luego, muy pocas. No podía ser de otra forma, cuando son dos solitarios los que se encuentran, en un lugar más solitario aún. Una relación contada con imágenes, con gestos, con sensaciones. Al modo de Hierro 3, de Kim Ki-duk. No hace falta más diálogo si se hace buen cine. En ciertas películas, quiero decir.

Cuando una película consigue que tenga ganas de dar un puñetazo a la protagonista o de gritarle algo, es que merece la pena, es que ha conseguido implicar al espectador en lo que les pasa a los personajes, que, en este caso, fundamentalmente, es lo que les ocurre en el interior. Por tanto, doble difucultad. Y doble mérito, también.

Con un cierto estilo documental, sin grandes alardes técnicos, pero con mucha sensibilidad y, sobre todo, mucho talento para contar el encuentro de estas dos personas condenadas a vivir con sus recuerdos y, aunque les pese, a convivir con otros seres humanos (como todos, claro), Nothing personal nos recuerda lo sencilla que puede ser la vida. Y lo sencillo que puede ser el cine. ¡Dejad de lado las complicaciones!

FRANK

LABORDETA

2010-09-20T17:29:00.003+02:00

Ciudadanos, en pie!

(Me quito el cráneo)

ARM

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS - Woody

2010-09-11T14:02:00.005+02:00

Está perfectamente recogido en la Declaración Universal de los Derechos Humanos que la única forma digna de volver al matadero en Septiembre es coincidiendo con el estreno anual de una peli de Woody Allen.

Siendo así Conocerás al hombre de tus sueños es imprescindible para un aterrizaje que no sea mortal en la miserable rutina postvacacional, más allá y como hooligan de Allen lo más fino que puedo escribir aquí es un gutural oe-oe-oe… Entrando más en detalles y amortizada la descarga endorfínica de paladear el producto anual del nunca suficientemente venerado Woody, gracias a los dioses del jazz el tipo vuelve a los andurriales de los que nunca debió moverse y diríase que la peli empieza y termina con un fuerte sabor a Annie Hall. ¿Se puede pedir más?

Me sigue pareciendo fascinante que un septuagenario tarado mantenga intacto el pulso, el olfato y la sensibilidad para recrear y vivificar tan delicioso mundo de líos maritales, novios guays, atribulados e infieles que nunca acaban de acabar su última novela ni de elegir novia definitiva; abuelos menopáusicos que se tiran a la piscina del revival last minute en plan Poderosa Afrodita y señoras delirantes que tampoco ceden en su crónico ataque de angustia y es que el joven/viejo Woody sabe que la vida consiste esencialmente en un malentendido, es así, delirante e incomprensible. Él nos la hace soportable con artefactos tan bellos y aseados, tan bebop y tan tiernos, tan cómicos y tan caústicos como esta Conocerás… en la que cada personaje ha nacido marcado por el inconfundible hierro de Allen, para convertirse en certera carnaza de su impiedad, de su ternura y de nuestra bendita risa.

Oremos…

PD: Mágnifica ocasión de comprobar la abisal diferencia de una actuación típicamente británica (A. Hopkins) y una típicamente ibérica (A. Banderas), comprobará el agudo espectador que el latin lover no deja de gesticular y de hacer muecas ni para respirar mientras que el otoñal gentleman contiene la actuación incluso en los momentos de máxima tensión (veáse la enervada espera al advenimiento de los benéficos efectos de la viagra).

Además de capacidades personales estoy convencido de que se trata esencialmente de una cuestión de escuelas y no de genética como comentaba John J. Healey en una hiperdelirante y alucinógena reflexión sobre el tema en El País en la que explica que el castellano no es apto para el buen cine. ¿Qué merendará ese hombre? …

ARM

ORIGEN - Nadar en Sueños

2010-09-02T00:07:00.006+02:00

El mundo de lo onírico, y su posible confusión con lo real, un robo nada común y las conexiones infinitas que se pueden producir en todo este entramado es un atractivo reclamo que se ha cuadrado Christopher Nolan y que es más parecido en la temática a Memento o Insomnia pero con la descarga de efectos especiales y producción de las últimas pelis de la "saga Batman" firmadas por él.

No puedo dejar de lado algo que, puede, que hayáis oído ya; y es el parecido razonable entre Origen y Matrix.

Un parecido que, al principio, me hizo ser escéptica con la de Nolan. En ambas hay distintas realidades (digámoslo así por simplificar) la estética de las luchas/ momentos tensos en los que hay que partirse la cara son clavaítas....y algunas cosillas más pero vedlo y juzgad por vosotros mismos.

Leonardo di Caprio es un ser atormentado capaz de inmiscuirse en tus sueños y robar tus secretos más oscuros (inciso: qué harían los Gobiernos ante un ataque de este calibre?) e incapaz de soñar al que la realidad ya no le es suficiente. Una especie de genio sueñohólico. Un personaje hilado desde su pasado con claros y oscuros y que tiene como padre a Michael Caine (que aunque salga un minuto) siempre es un honor.

Aunque no todo son flores, ni todos los personajes son tan perfectos.

El de Ellen Page se queda cojo. aparece de repente y tiene gran importancia pero no sabes apenas nada de ella. Hay algunas escenas de tensión que no se sostienen. Supongo que es para crear un poco más de intriga pero ¿cuánto tarda una furgoneta en caer? ¿cuántas cosas puedes hacer en 3 minutos? ¿ a qué huelen las cosas que no huelen?

En resumidas cuentas: Una buena opción. Muy interesante, buenas interpretaciones, gran idea y bien llevada, gran cine fórum.

De postre, y como en las ofertas de los Supermercados 2x1, señora: una breve (brevísima) crítica de AIRBENDER

¿Por qué es tan corta esta crítica?

Bien, queridos me alegro que os preguntéis esto (y si no os lo preguntáis me da igual porque os lo voy a contar, hala) es así de corta porque la peli no da para más. Después de 103 minutos de cinta estaba entre una onomatopética pero concisa definición: PUUFFFF o esta pequeña comparación basada en una regla de tres:

Origen es a Matrix
lo que AIRBENDER a El Señor de los Anillos.

La diferencia radica en que en el primer caso la cosa sale bien y en el segundo uno no sabe si reír o llorar.

Señor Shyamalan, deje usted de vivir de El Sexto Sentido. O mejor, siga viviendo de El Sexto Sentido pero deje ya de torturarnos, gracias.

BEATRIX KIDDO

LA AMÉRICA DE EDWARD HOPPER - Sin cordones

2010-07-25T21:18:00.008+02:00

En cierta ocasión participé en un sencillo test de sensibilidad para bestias junto a otros chimpancés. Ellos y yo sólo mostramos señales de aguda emoción frente a cuadros de Edward Hopper con lo que quedó confirmado que ellos eran gente seria, que yo era un animal y que Hopper es un genio.

Y la tal Eva Hibernia ha elegido precisamente su pintura para encarrilar una obra de teatro, idea que me parece desde el principio muy simpática. Lo primero es recrear los celebérrimos ambientes y luces hopperianas: éxito inmediato alcanzado desde la primera escena y con una escenografía sencilla, transportable, barata, cómoda y modular, muy ikea. Bien por la Hibernia y el teatro posibilista (la pasta y el arte con frecuencia viajan en vagones separados).

En la obra sólo participan dos actores (de nuevo la convierte en modular, barata, transportable etc bien ) que representan algunos personajes más y plantea, gracias a dios (o sea a Valle) un teatro auténticamente contemporáneo, es decirse, fragmentario, arborescente, fractal, en el que los tiempos avanzan y retroceden simultáneamente, en el que las cosas ocurren en el presente, en el pasado y en el futuro, en el que los géneros se mezclan y se hibrida el teatro con la poesía, el cuento, el cine y la música. Se trata de una obra en que la reflexión probablemente apunta a la construcción del yo, de la individualidad, del peso de la infancia (Hibernia es argentina “marcándote el camino”, ya sabés), del paso del tiempo, el personal y el histórico, de la evasión y de la reclusión en la realidad o en la imaginación.

Bien por todo ello, sin embargo, no dejaré de reconocer que a la entrada del teatro deberían hacer como en Alcalá Meco donde a los visitantes no les dejan entrar con cordones y objetos cortantes, ya saben, pillé a una octogenaria, vecina de butaca, intentando hacerse con los míos sin duda para acabar con su sufrimiento. Pobre, la cacé a tiempo, yo los necesitaba tanto como ella. El caso es que a mitad de la obra no esperas nada más de la vida y deseas acabar con todo mordiéndote las uñas y devorándote por las falanges, deseas que descarrile el teatro, el planeta y la galaxia para poder bajarte y terminar ya, cuanto antes… querido lector, lo que quiero decir es que a lo mejor la obrita se te hace un punto larga, embrollada, caótica, absurda, llena de incomprensibles tránsitos entre acentos que pretenden ir del porteño al castellano pero que con frecuencia acaban en Cantinflas explicándote un chiste, peceras en las que cae un llave (oh!), guantes semióticos, letras flotantes… digamos que alguien por ahí se ha metido una sobredosis de psicoanálisis y no quiero señalar…

Es así el arte, como la línea: para lucir hay que sufrir, hay que arriesgarse a escribir y montar otro teatro y sobre todo hay que arriesgarse a verlo (osadía notable en ocasiones, siempre sin cordones). Pero que no quepa duda de que existe público y crítica a los que les ha gustado la experiencia completa… y no todos consumen tantas drogas.

ARM

VILLA AMALIA - La huppert

2010-07-01T16:13:00.011+02:00

Uno tiene sus perversiones y el cine francés es la más pérfida, así que voy corriendo a ver Villa Amalia (a pesar de un título tan caribeño) para comprobar que pretende ser un cruce entre Azul de Kieslowski y La pianista de Haneke (ni más ni menos). Para eso Benoit Jocquot se trae directamente a la Isabelle Huppert de protagonista y le hace tres cuartos y medio de la peli. En realidad es un truco bajero, si pones a alguien tan venusiano, con una presencia tan poderosa y anómala como los rinocerontes con flores rosas en las narices de Avatar, respirando y mirando en perpetuo primer plano, te sale una cinta barata e hipnótica. Eso es la Huppert.

Además de la actriz y del francés, Villa Amalia aporta el infalible aliciente de contar una historia de huida, de fuga de la vida de uno/a mismo/a, de la carrera hacia el anonimato, hacia la libertad total, hacia una isla que a su vez ofrece esos planos del mar tan terapéuticos y esas casitas mediterráneas idílicas etc… o sea, que en una ciudad tan incompatible con la biología de los mamíferos como Madrid-en-julio el trailer debería ser garantía de taquillazo.

El dire Jocquot es un tipo con una cara dura antológica porque se ha traído directamente al personaje de La pianista, no se trata de que sea la misma actriz sino de que la Huppert podría pasearse de una cinta a otra sin despeinarse, de ello se agradece la bendita contención de la protagonista y del resto de intérpretes y el resultado balsámico de contemplar actores viviendo, sufriendo, odiando pero deliciosamente contenidos, embridados, serenos, reales… quizás cuando la Península Ibérica en su deriva tectónica esté ya lamiendo las uñas de la estatua de la Libertad y Nigeria esté en el Polo Sur haremos en España una peli con semejante contención dramática, hasta entonces: epilepsias y señoritooo…

Y sin embargo y a pesar de todo (muy especialmente del delicioso montaje), esto no es Azul ni La pianista y por el único y fascinante motivo de que en el seno de ello que llamamos "arte" se agazapa un misterioso mecanismo por virtud del cual asoman los costurones y las cremalleras del cacharro en caso de que no se trate de una obra genuina, sincera, por bien engrasada que esté su mecánica, por eficaz que pueda resultar la impostura planeada por pérfidos técnicos, nunca se parecerá al producto parido desde la boca del estómago, al objeto carnal y placentario alumbrado entre coágulos desde la hipnosis de la mirada de un iluminado como Haneke o de la sensibilidad cósmica de un Kieslowski , le faltará verdad, latido, aliento... como a Villa Amalia.

Debo reconocer que a mitad de la proyección y en tiempos tan oscuros como estos he sufrido una terrible recidiva sociosindical, y tal que un censor soviético al otro lado del telón de acero (otra vez Sabina) me he preguntado “¿dónde está el pueblo? ¿qué es de los currelas? ¿qué tipo de penas burguesas son esas, señora-pianista-de-lujo?” Pues sí amigos, ya se sabe que el cine francés es elitista en lo intelectual y con frecuencia también en lo social y retrata desencantos nihilistas y sutiles de "gente bien" que lo deja todo y se va de restaurantes de tres tenedores completamente deprimidos y derrumbados, a través de media Europa (como en la película)... Cierto, nos encanta, será la canícula y un mal golpe que me he dado en la ducha pero he echado de menos una toma de tierra, un personaje de carne, hueso y ficha de ocho a seis, una caries y una hipoteca… ya digo, ha sido sólo un momento (que para eso ya esta Loach), me repongo y vuelvo a hacerme cargo de los problemas de los sufridos plutócratas en un pispás...

ARM

LONDON RIVER - Actorazos

2010-06-29T19:32:00.003+02:00

A veces, estoy acercándome a la entrada del metro y veo a una mujer (casi siempre es una inmigrante) que va a bajar con un carrito de bebé. La gente pasa a su lado, subiendo y bajando, muchos con prisa, y pocos son los que se paran a ayudarle. ¿Tanto cuesta? Algunas, más atrevidas, más cansadas, con menos vergüenza o qué se yo por qué, piden ayuda con educación. La mayoría cargan solas con el carrito sin decir nada. Me pregunto por qué hemos llegado a estos extremos de... no sé, desconfianza (¿es que la gente cree que va a salir corriendo y les va a dejar el carrito y su hijo?) o de ceguera ante algo que ocurre a un palmo de nuestras narices. ¿Cómo hemos llegado a esto? Hasta que ocurre algo que hace abrir los ojos y ver que los que tenemos al lado no son tan raros, no son tan diferentes y que, incluso, son muy parecidos, más, a veces, que los de nuestra propia sangre, que nuestros vecinos de toda la vida, que los de nuestro mismo pueblo.

London River cuenta con dos actuaciones perfectas. Brenda Blethyn lo consigue en todas las películas y ya no sorprende. Esta actriz realiza siempre interpretaciones tan perfectas que parece que ya no hay que valorarlo: la rutina de la perfección. ¡Pero hay que decirlo una vez más! Brenda Blethyn es asombrosa. Es capaz con un gesto de unos pocos segundos transmitir que ha vuelto a fumar después de veinte años. Con un solo gesto de unos pocos segundos en un plano corto. Bueno, esto es una anécdota dentro del completísimo trabajo que hace en toda la película.

Y el coprotagonista se encuentra a la altura. ¡Vaya duelo! Sotigui Kouyaté ganó el Oso de Plata al Mejor Actor en el Festival de Berlín de 2009. Con estos dos actorazos, el espectador se mete en la piel de los protagonistas, en su angustia y algo raro, vivo, comienza a moverse en el estómago. Sus vidas en esas semanas de angustia se entrecruzan y el espectador está en medio de todos esos sentimientos, en medio de esas sutiles miradas de miedo, de temor, de comprensión, de vergüenza, de arrepentimiento, de cariño, de dolor. Una riada de sentimientos entre dos personas que casi no se hablan, pero que, finalmente, se conocen (y se reconocen) el uno al otro.

FRANK

TÓRTOLAS, CREPÚSCULO Y... TELÓN - Lo malo de los artistas...

2010-06-23T11:43:00.005+02:00

Francisco Nieva es un tío simpático y tiene una recorrido artístico y biográfico más liado que el estriptis de una gitana. Ha dado muchas vueltas por el siglo veinte y siempre por dentro de su teatro, de sus brechts, ionescos y artauds, recibiendo las novedades a porta gayola. Eso es así.

Lo malo de los artistas es cuando son masoquistas (Sabina) y lo malo de las obras irrepresentables es cuando se representan. Tórtolas, crepúsculo y … telón es una obra de 1953 en la que el espectador debería paladear las esencias del teatro del absurdo de Ionnesco, del surrealismo de Artaud, de la potencia esperpéntica de Valle Inclán, de la contestación política de Brecht, de la lírica de las vanguardias en general y de multitud de guiños risueños a Jardiel Poncela y Gómez de la Serna sin embargo, dudo de que algún espectador encuentre algo más que un martirologio de dos horas aderezado con alguna risa amable y esforzada.

Es probable que lo peor sea el montaje de un modelo de teatro avanzado, aunque ya clásico, en un formato arcaico que prescinde de cualquier tecnología del siglo veintiuno y se vale únicamente de la más o menos barroca carpintería del proscenio y de la discutible habilidad de los sastres para cortar unos personajes sin embargo óptimos para una película de Tim Burton (y la cosa es del 53, ojito). Sin la muleta del montaje, con los personajes tan abandonados a sus declamaciones cantarinas y al inevitable histrionismo ibérico, el texto no ofrece músculo más allá de un collage de imágenes y tientos de piruetas circenses que caen mucho más cerca de los mimos del Retiro y del teatro callejero y juvenil de las escuelas de actores guays o más precisamente, de un episodio de la Bola de Cristal con la Bruja Avería de prota.

Donde debería haber poesía, esperpento y metáfora política hay, sobre todo, dos horas.

PD: Por qué se empeña el CDN en estrellar a estrellas “otoñales” como la Espert o en este montaje Esperanza Roy (prota de Dormir y ligar todo es empezar de M. Ozores), actriz con esa encantadora dicción que usaban antes los cómicos y los narradores radiofónicos, que te transporta de inmediato a una peli de 1950 y que podría aportar un magnetismo fabuloso a un largo contemporáneo, pero, ¡obviamente!, no a una obra de teatro en una sala de estas dimensiones donde lo que hace falta por encima de todo es fuelle. ¿Es que esta gente no tiene corazón? Y la Roy y la Espert ¿no tienen familia para que alguien les diga que igual mejor otra cosa. Hay mucho mala sangre…

ARM

LA MUERTE ES LO DE MENOS - Pues estamos apañados

2010-06-22T23:51:00.002+02:00

La Muerte es lo de menos, obra de Denise Despeyroux en la que se hace un batiburrillo con temas como la supresión del Limbo por parte del Vaticano y la incertidumbre de lo que pasará con todos aquellos espíritus que deberían haber ido allí sumado a unos personajes con problemas que trasladan desde su vida a la muerte.

El amor, el miedo, la necesidad de ser alguien en el grupo y la angustia existencial se hacen presentes en todas partes.

Original pero mal llevado y con escenas que sobran.

En fin, que sí, que La Muerte debe ser lo de menos porque, aunque tiene algunos puntillos graciosos, la obra en sí me dejó fría.

BEATRIX KIDDO.

SCAR 3D - Bodrio

2010-06-22T13:17:00.002+02:00

Joan (Angela Bettis) sufrió, cuando era adolescente, una traumática experiencia a manos de un loco y sangriento asesino. Ella se salvó. Ahora vuelve a su pueblo donde sucedió todo. Allí vive con su hermano Jeff (Christopher Titus) y la hija de éste, Olympia (Kirby Bliss Blanton), y, casualidades de la vida, comienzan a ocurrir nuevas desapariciones.

Olympia termina el instituto y, como buenos yanquis, hacen sus fiestas de adolescentes en grandes casas, beben alcohol y fuman marihuana. ¡Más macarras que Dylan McKay! Y comienza el horror... Todo esto mezclado con los flashbacks que nos cuentan qué le pasó a Joan de jovencita (por cierto, una actriz que no se parece ni en el blanco del ojo a la adulta Joan).

Como todo esto nos suena bastante, el único tirón que le sacan a la peli es que está íntegramente rodada en 3D de alta definición. Pero visualmente tampoco es ninguna maravilla y, desde mi ignorancia, pienso que la fotografía la hubiera hecho mejor mi hámster con dos flexos y una linterna. No sé si el director de esta película, Jed Weintrob, se emocionó demasiado con el 3D y pensó que la sangre y el dolor bastaban para que la gente viera Scar 3D. ¿Para qué me voy a molestar en hacer un guión original o personajes con peso si los espectadores lo van a flipar con la última tecnología?, debió pensar Weintrob.

No puedo ni debo decir más, cuando algo es malo y cojea por todas partes no hay por qué ensañarse. Si se os pasa por la cabeza ver esta película pensad que vais a disfrutar más con cualquier vídeo de un japonés cantando en el YouTube.

JOSEPHINE

EL SILENCIO DE LORNA - ¿Cuánto vale la vida de un yonqui?

2010-06-17T20:02:00.005+02:00

Otra película sobre inmigración. Otra película francesa (y belga, en este caso). Otra película con la realidad social, pero la real, la de verdad, la que te ocurre a ti y a mí, no lo que se puede leer todos los días en las portadas de los periódicos, no, eso es todo mentira, hablo de la realidad que no aparece en los medios de comunicación o, en todo caso, aparece en un breve de sucesos, toda una vida condensada en cinco líneas escritas por un redactor mal pagado (pero encantado de su profesión y supongo que también de esas cinco líneas). Todo lo anterior indica que nos encontramos con un tipo de película de las que ya hemos visto unas cuantas, sobre todo, en los últimos tiempos, y que no nos dirá nada nuevo. Y, sin embargo, algo aporta: conocer la vida de la que podría ser nuestra vecina y de la que no sabemos nada. Quizá deberíamos prestar menos atención a los medios de comunicación y más a la gente de nuestra escalera. Leo titulares que me parecen venidos de otro planeta y, en cambio, El silencio de Lorna parece que me está contando la vida de esa chica que me atiende en una tienda de barrio.

Gente corriente que lucha por sus pequeños sueños, por montar un local de copas con su pareja, por conseguir la nacionalidad y no tener que volver a un país en el que sólo hay guerra y pobreza y miseria, por una vida normal, nada del otro mundo. Y, mientras, la Unión Europea y el FMI discuten dónde incar el diente sin llegar a ahogar completamente a los que les damos de comer. Sólo un poco, sólo un mordisquito, que no se note. Pero, ojo, porque es como una droga: ¿dónde está el límite de ese "sólo un poquito más"? Morirán de sobredosis o de no poder aguantar el síndrome de abstinencia. O asesinados por cualquier camello al que le deben ya demasiada pasta.

FRANK

IO SONNO L'AMORE - Io sonno tutto

2010-06-12T21:58:00.003+02:00

Luca Guadagnino nos presenta en Io sonno l'amore a una familia de la alta burguesía industrial italiana en la que conviven a la perfección un toque victoriano, en sus relaciones y en su contención emocional, con un deje mafiosillo.

Io sonno l'amore es, obviamente, una historia de amor pero no es sólo éso, también es una crítica a la hipocresía, al apetito voraz y desalmado del capitalismo. Io sonno l'amore es también sufrimiento y es belleza.

Las circunstancias en las que se desenvuelven los personajes les dejan crecer y cambiar haciéndolos muy interesantes al espectador. La muerte de "la piedra angular" de la familia y del negocio y a quién o quienes elige como herederos suponen un punto más para ésa evolución.

Una empresa inmersa en la globalización, ligeros problemas de conciencia, y darse cuenta que lo que uno ha vivido es una mentira, unido al hecho, de que la voluntad del clan devora al cada uno de sus miembros y a su humanidad produce una mezcla parecida a un cóctel molotov .

Tilda Swinton es Enma, una madre y esposa que no es nada más porque renunció a sí misma, le cambiaron hasta el nombre cuando decidió casarse y ha vivido adormecida en la comodidad de su cárcel de oro y a la sombra de sus carceleros. Pero en su vida aparece Antonio, alguien que le hace revivir. Empieza a salir del coma inducido mediante su sentido del gusto y la escena del restaurante, en la que Enma se deleita con uno de los platos que él ha preparado para halagarla, es tremendamente sensual y plástica, se pueden oler los langostinos e incluso sentir calor.

Guadagnino disecciona la caída de una familia que tanto esfuerzo había puesto en intentar demostrar su unión ante la verdad de los sentimientos y la voracidad de la ambición capitalista que les impide reconocer a su propia sangre.

Mientras escribo, estoy recordando la escena final, y no puedo evitar que me vuelva a embargar la emoción recordando a Tilda Swinton y a Alba Rohrwacher hablándose con la mirada.

BEATRIX KIDDO

THE COVE – Activismo en HD

2010-05-31T23:16:00.004+02:00

Richard O´Barry fue el entrenador de varios delfines que interpretaron al televisivo Flipper. Dedicó diez años a amaestrar a estos cetáceos para el espectáculo. Ahora lleva treinta y cinco años, que se dice pronto, intentando destruir esta industria.

Con él un gran equipo humano dirigido por Louie Psihoyos, cineasta y fotógrafo; una campeona mundial de apnea y su marido experto en buceo libre; buenos camarógrafos, un especialista electrónico de las Fuerzas Aéreas Canadienses, el jefe de producción del departamento 3D de Lucas. Y qué decir del equipo técnico compuesto por cámaras submarinas, sistema de sonido bajo el agua, cámaras HD escondidas en rocas hechas para la ocasión y con baterías especiales, cámaras HD térmicas para ver a los guardias por la noche, ropas de camuflaje. Esta gente se preparó bien y la excusa no era para menos.

La explotación de los delfines mueve grandes cantidades de dinero por todo el mundo y es en Taiji, un pueblo japonés, donde los capturan. Pensamos que un delfín es feliz en un acuario haciendo sus acrobacias, se acercan a los humanos para que los acaricien... No es así. Aprendemos que estos marítimos mamíferos son seres absolutamente acústicos, es su mayor sentido de orientación, comunicación y supervivencia. También sufren estrés. Así que estar en un escenario rodeados de cientos de personas gritando y aplaudiendo no es un lugar idóneo para ellos.

En este ameno y dramático documental se aprende esto y mil detalles más. Nos muestra imágenes preciosas de estos animales danzando a sus anchas por el mar y también escalofriantes situaciones. The Cove es otro documento que engrosa una larga lista de lo cruel y avaricioso que es el humano.

El equipo de este documental tiene por objetivo llegar hasta la cala donde cada año mueren unos 23.000 delfines. Claro que este espacio, situado en medio de un Parque Nacional, está bien custodiado por guardas, alambradas de espino y carteles del propio ayuntamiento que prohíben el paso. Algo no huele bien ahí dentro...

Si la carne de delfín se come, ¿por qué va un grupo de yanquis a decirles que no los maten? Y si encima los pescadores de Taiji los sacrifican rápidamente y sin dolor. Si su carne está dentro del menú de los comedores de los colegios. ¿Por qué tienen que grabar esto como si fueran espías? Y ¿por qué el gobierno japonés oculta todo esto? ¿Por qué tanto secretismo? Las soluciones en The Cove.

JOSEPHINE

MADRES & HIJAS - Amores, dilemas y dramas

2010-05-28T23:33:00.003+02:00

Rodrigo García escribe y dirige esta entrañable historia sobre lo que el propio nombre indica. Traza un triángulo con unos vértices un tanto inconexos que se unen en un pequeño punto, muy esperanzador. Son tres formas diferentes de afrontar la maternidad y de ejercer de hijas. Tres mujeres llenas de dramas y traumas, de decisiones (más o menos acertadas) y tres posturas dispares ante la vida.

Karen (Annette Bening) sigue lamentándose 36 años después de haber dado a su hija en adopción cuando tenía 14. Ahora es una mujer sola y amargada.

Una joven y exitosa abogada es Elizabeth (Naomi Watts). Dueña y señora de su vida, segura de sí misma. Se podría decir que es una mujer fatal en un primer momento de la película.

Lucy (Kerry Washington) necesita ser madre ante todo para realizarse y ser feliz.

García sabe contar historias. De una manera sencilla, sin grandes pretensiones, nos guía por las vidas de las protagonistas. Nos dice cómo son y el porqué. Las entendemos, nos empatizamos, las podemos juzgar pero, sobre todo, aflora un sentimiento de compasión y compresión hacia todas ellas. Éste es el punto fuerte de esta película, poder opinar y entenderlas.

Detrás de cada una de ellas hay una figura masculina muy importante para su desarrollo. Aunque el director no se adentra demasiado en ellos, son personajes bien formados que redondean la historia.

Las actuaciones son un buen espectáculo. Pero he de destacar la de Annete Bening, quizás por bordar el papel más atormentado y dramático y por ser quien arranca unas carcajadas al respetable.

Hay que decir que Madres & Hijas tiene un par de momentos en los que flojea. Como espectadora no me gusta pensar que va a pasar algo y que eso mismo ocurra. Y aunque así sea, esta situación agria no borra el dulce sabor que deja haber visto una película bien hecha y entrañable.

JOSEPHINE

CANINO - Bingo

2010-05-27T11:33:00.006+02:00

Lo mejor de Canino es su nacionalidad (griega) y lo peor todo lo demás. Canino es una película típicamente premiada en Cannes: rara, molesta, inquietante, agresiva con el espectador porque los actores parecen robots, porque es desesperadamente lenta y fría como un témpano, porque es experimental (en todos los malditos sentidos de la palabra) y porque está inflamada de aspiraciones vanas.

Canino imita a Hanecke pero acierta sólo en la aspereza (en la sorpresa ya no puede, precisamente porque existe antes Hanecke) y nada en la poesía ni el calado. No es fácil al principio saber si estás ante una broma de videoarte, observando un experimento “psicosociológico” (muy setentero ello) o siendo víctima de una tomadura de pelo. Hay un poco de las tres cosas pero enseguida comprendes que se trata de una metáfora (las conozco que explicadas entre aceituna y patatita quedan cristalinas y te sobra hora y media), un símil asfixiante sobre el control mediático, sobre la falta de libertad impuesta en una posible sociedad sojuzgada, sobre totalitarismo y todo en forma de una familia de tarados que vive encerrada en un chalet y comandada por un padre en plan monstruo de Amstetten rebajado de graduación.

Digo yo que los experimentos psicóticos mejor en casa y en los libros y que si se trata de plantear un escenario posible y extremo, un informe sobre la ceguera saramaguiano, ha de ser fértil, humano, reconocible, informativo, capaz de estimular a la emoción con algo/alguien… en “canino” deberían darte un cartón de bingo y el primero que pilla la metáfora grita línea y pa´ casa, indultado.

PD: Ojito, que sé de perspicaces y muy sutiles espectadoras a las que les ha gustado...

ARM

ROBIN HOOD. Nones

2010-05-16T18:03:00.002+02:00

Alguien pedía a gritos una revisión del héroe más carismático del folclore inglés que nos hiciera olvidar de una vez el peinado ochentero de Kevin Costner o los apretados leotardos de Errol Flin, que además de tocar el piano con el pene (creía ser yo el único) poseía la sana costumbre de inyectar vodka en sus mandarinas entre toma y toma (simpático, verdad?). Parodiado hasta el exceso, Robin Hood necesitaba de una versión definitiva que nos aliviara de tanto cartón piedra, como en su día hizo Coppola con Drácula o Tim Burton con Batman. Pero nones. Ni todo el talento de Ridley Scott ni la toda la metrosexualidad de Russel Crowe han conseguido salvar una versión decepcionante, cuanto menos.

Para realizar la enésima película de un mito con menos fiabilidad histórica que de la virginidad de la virgen, el director nos presenta a un Robin patriota, luchando junto al tirano -nada que ver con Sean Connery- Ricardo Lyon Hart, como un soldado más. Algo que me hacía intuir en un dibujo más profundo de la sesera de nuestro héroe o, por qué no, una genial vuelta de tuerca que convirtiera a este truhán en un sucio ladrón, un exiliado, un terrorista del medievo, un vividor, un antihéroe, un putero, algo... Pero no amigos. Tras la primera hora nuestro Robin se convierte en el mismo pelmazo que hemos estado viendo desde el technicolor: bravo, masculino, arrebatador, justo, honrado... vamos, un coñazo. Y por no habar de las escenas de acción que, aunque muy recortadas, sólo consiguen agotarnos tras las horas y horas de batallas medievales que nos hemos tragado ya con El Señor de los anillos. Malos tiempos estos para la originalidad hollywoodiana y buenos para los productos de fácil digestión. Ñam.

Pitu

EL LICENCIADO VIDRIERA - Quien no lo pille, que no se ría

2010-05-13T00:01:00.003+02:00

Cuán tentado se ha sentido un servidor en acudir a una farsa adaptada de una novela escrita por el ínclito Miguel de Cervantes Saavedra. (Conocerán vuesas mercedes al susodicho por haber escrito esa gran novela, que algunos osan atribuirle el mérito de ser la primera novela moderna, aunque no tenga ninguna relación con esos chicos que visten pantalones pitillos aunque tengan las canillas más delgadas que, precisamente, El Quijote, y que abarrotan las tabernas del Madrid más castizo).

Es menester reconocer el mérito de dos cómicos que, con poco más que unos trapos, una banqueta, una cuerda y unas barbas postizas, cuentan las andanzas del licenciado Vidirera por el mundo, que, por entonces, no era mucho más que Italia, Flandes, Francia y Valladolid. ¡Pero voto a Dios que me subleva que me expliquen las chanzas como si fuera un chiquillo que no levanta dos palmos del suelo u hombre de poca entendedera! (¿Sabéis cuando se cuenta un chiste y hay que explicarlo y entonces no hace ni puta gracia? Pues eso).

No dejó de sorprenderme, por lo demás, las risas de alguna parte del respetable cuando un cómico simulaba estar en Venecia vistiendo un típico sombrero del lugar y con un largo palo remaba como si montara en góndola. O cuando, al hablar del papa, aparecía tocado con una mitra.

Y, por favor, si se quiere meter una buena pulla (que, por otra parte, me parece estupenda y una verdad como un templo) al horrible lenguaje que usamos en estos tiempos anglófonos y tecnológicos poniendo como ejemplo la palabra "friqui", que no se compare con la palabra "zombi".

FRANK

Teatro Fernán Gómez - Sala II
Dirección de Carlos Martín, dramaturgia de Alfonso Plou.
Protagonizada por José Luis Esteban y Javier Aranda.
Del 12 al 30 de mayo.
Viernes a domingo: 14 €; miércoles y jueves: 10 €.
Grupos (10 a 30):10 €; (+ de 30): 8 €.
HORARIO: Miércoles a sábado: 20:30; domingo: 19:30h.

EL RETRATO DE DORIAN GRAY - Sí, otra vez

2010-05-12T14:09:00.006+02:00

Sentado en una butaca vas a pasar casi dos horas escuchando y viendo una historia que ya conoces. Lo lógico es pensar que alguien (llámese Oliver Parquer) te quiere mostrar otro punto de vista de una narración de sobra conocida. Así que comienza la proyección y, después, como todos esperamos, termina. Y te das cuenta que los señores que estaban en la pantalla no te han dicho nada nuevo y que la forma tampoco te ha sorprendido. Eso pasa con El Retrato de Dorian Gray. La historia es muy buena pero, claro, eso es mérito de Oscar Wilde.

Hay imágenes muy bonitas (sobre todo en los primeros minutos) y un vestuario precioso. Pero parece que a Dorian, eterno joven y bello*, le han rellenado la cara con bótox y por eso el pobre no puede expresar ni emocionar.

El director se centra más en los excesos y la lujuria de Dorian que en su viaje/lucha personal. Una decisión que no comparto ya que es menos frecuente vender tu alma al diablo que gozar con señoritas de todo tipo. Y esto último lo hemos visto ya unas cuantas veces. Podríamos decir que se queda en un largo, como mucho, entretenido y fantástico, para echarte una cabezada.

Si alguien quiere saber o recordar qué pasó con Dorian, mucho mejor la película que en tu imaginación te brinda Wilde.

JOSEPHINE

*Eso dice el relato. Para gustos, los colores.

HABITACIÓN EN ROMA - Dermatológicamente testada

2010-05-10T19:11:00.004+02:00

Entro a la sala arrastrado del belfo y envuelto en terribles alaridos porque espero, como los lechones que entran al matadero, lo peor. No me gusta la idea de estar encerrado en una habitación con Medem durante casi dos horas y no es atenuante la aparición de dos posibles odaliscas (que a veces salen vestidas); no me gustan los experimentos ni las pelis por encargo ni la fase postmedemiana que atraviesa el padre de las inconmensurables Vacas y Tierra.

Y cuando esperaba un destrozo, una abominación, unos alicates incandescentes sobre mi maltratada piel, sólo encuentro a las (enervantes) chavalas retozando y mal que bien consigo arrastrarme a lo largo del metraje sin necesidad de que me atienda un especialista o de consumir ansiolíticos de efecto inmediato: No es coser y cantar pero tampoco es una endoscopia.

La verdad es que salvo algún patinazo memorable y (desgraciadamente) bastante medemiano, alguna prolongada licencia de anuncio de Ariel, los crujidos lógicos de un guión bastante airoso para la trampa perra que supone hacer un maldito largo sin poder salir de una habitación por-exigencias-del-productor y perfectamente reconocible en su particular laberinto psico-emotivo-festivo resulta simplemente una película sin alma, un fantasma cinematográfico ceñido a las inconfundibles hechuras de un director que sabe lo que hacer con una cámara aunque sea en semejante artefacto.

Para entrenar y para el reto le recomendaría al inefable Julio subir a la montaña y buenos desayunos... y lo del cine lo vamos viendo...

PD: Por descontado que sigue siendo impagable la aportación de este pollo a la memoria cinematográfica reciente de casi todos aunque ahora ¡los cerebros de lata reniegan!

ARM

LOS CHICOS DE HISTORIA - ¡Efebos de historia!

2010-05-08T22:34:00.004+02:00

Nunca he entendido las buenas críticas de J. M. Pou (prefiero las malas) y esta vez Los chicos de historia apuntalan su cumplida pertinencia (impertinencia en este caso) y coherencia (incoherencia en este caso) ayudada de la incipiente y ya desastrosa trayectoria de los Teatros del Canal.

Los chicos de historia es esencialmente (el nombre ya amenaza y acojona) una delirante recreación de Los chicos del coro cruzada con El club de los poetas muertos, es decir, una serie de escenas y recursos tópicos, pretendidamente sorprendentes y emotivos con una tremenda carga de aspiraciones brodwaianas que pasan muy mal de la Gran Vía con caspa en los constantes (surrealistas) numeritos musicales de los chavales (en Mira quién baila y por ahí destrozarían el share).

Pero a lo que vamos: valga lo de “la estética de la obra”, valga lo de Pou, un señor haciendo muecas que esta vez deben corresponder a un entrañable y sabio profesor y (ATENCIÓN) ¡pederasta!. Como lo lees: resulta que el delicioso maestro se lleva a los chicos en la moto y les mete mano (les “palpa los genitales” según la obra) y ellos, a pesar de todo le adoran por su sabiduría (¿¿¿???) es más, uno de los muchachos que en principio es heterosexual se ofrece a practicarle una felación a otro profe en agradecimiento por su instrucción. Flipa.

O sea, que el sueño húmedo y onanista de un dramaturgo pedofilo acaba montado en plan Brodway cañí en Los teatros de Espe, en formato TVE1 y con gran acogida del público que sospecho no acaba de pillar de qué va la cosa simplemente porque es inconcebible y aplaude a rabiar al terminar haciendo incluso coros con las palmas en plan concierto de año nuevo en Viena…

Lo trágico por supuesto no es que ahora programen en Los teatros del canal en plan provocación incendiaria y punk, sino que ni siquiera pretenden provocar: a todos les ha parecido posible, verosímil y simpático.

¡Tremendos tiempos!

PD: ¿Os acordáis de la exposición de Fernando Bayona de la "degenerada" Universidad de Granada que fue retirada tras la furibunda carga de la caballería mediática derechónica y cuyo pecado era fotografiar a un bello Jesús gay? Oh cielos...

ARM

EL ESCRITOR. Hombre, por favor.

2010-05-03T17:21:00.007+02:00

“Los negros no solemos ser invitados a las presentaciones de los libros. Solemos ser incómodos, como un amante en una boda”. Siempre he pensado que la figura del escritor mercenario mal pagado, haciendo el trabajo que otros firman, era una auténtica mina dramática. Pero, esta vez, ha sido Robert Harris quien se adelantó con una novela que Roman Polanski ha llevado ahora a la pantalla. Una adaptación a la altura de sus mejores películas con la historia de un escritor encargado de redactar las memorias del ex-Primer Ministro británico acusado de torturar a yihaidistas. Aunque yo lo hubiera hecho igual pero con Answer enfundado en sus botas. Y es que es inaudito que en un país como el nuestro, lleno de políticos honrados y escritores que publican incansablemente como quien hace calceta, nadie haya escrito una buena historia -con más caspa, bueno sí-. Creo que hace dos Babelias alguien hablaba de que es lamentable que la guerra de Afganistán, el conflicto en el que más soldados españoles han muerto desde hace ni se sabe, no haya servido de inspiración a nuestros escritores, salvo dos o tres excepciones. Pero señores, Fabra, Camps, Aznar, Aguirre y sus espías... hombre, por favor.

El escritor. Thriller político narrado con una precisión y un equilibrio de relojero suizo. No sólo porque la música y la fotografía recuerden al Hitchock de Con la muerte en los talones o Los pajarracos, sino porque los diálogos, las interpretaciones y la dirección son un elegante baile de suspense con las dosis justas de humor, de intriga y de acción. Alejada de los tópicos y de los números malabares a los que estamos acostumbrados, Polanski opta por la flema inglesa para presentarnos la historia de este negro, interpretado por un Ewan McGregor tan solvente y magnético como siempre. Aunque quizás lo más sorprendente sea ver a Pierce Brosnan disfrazado de Tony Blair, demostrando que su talento está muy por encima de su filmografía. Bastaría una sola secuencia de El escritor para ahorrarnos las interminables horas de thrillers insulsos a los que nos tienen acostumbrados los productores americanos cuyas mentes calculadoras se preguntan qué porcentaje de tiros y persecuciones hay que poner para que sea solvente en la taquilla. Afortunadamente todavía hay directores como Polanski que les importa más bien poco.

Pitu

WELCOME - Política para seres humanos

2010-04-29T22:46:00.009+02:00

Philippe Lioret asegura que su principal objetivo es dramatizar ("sólo soy un cineasta"), inventar una ficción, una historia "de dos amores...". Sin embargo, está claro que no es el único objetivo del director: Welcome te hace pensar, te remueve el animal político que parece dormido en Europa y que sólo se despierta en momentos críticos. (De esto sabemos mucho en este país.) Estamos, pues, ante un filme político y humano.

Welcome hace que el espectador se pregunte quién demonios decide poner trabas a las personas para que no puedan cruzar fronteras mientras las mercancías (y el dinero) se mueven por el planeta con total libertad y, sobre todo, por qué ocurre esto. Que se pregunte qué puede hacer él como individuo si quiere cambiar la situación (y a este respecto es bastante pesimista, por cierto).

En Francia es delito ayudar a un inmigrante ilegal. Es decir, que si un ciudadano lleva a su casa a un ilegal, le da de comer, le permite que se duche y que duerma en un sofá medianamente cómodo, aunque sólo sea por una noche, el susodicho ciudadano puede ser procesado. Sí, señora, en este mundo vivimos. En Francia existe un Ministerio de Identidad Nacional.

En el neoliberalismo brutal practicado por Margaret Thatcher en el Reino Unido se permitió manga ancha para que los inmigrantes se asentaran en el país. Querían mano de obra barata y que los empresarios no tuvieran que pagar impuestos, pues se contrataría en negro (¡perfecta expresión en este caso!). Ahora no conviene, ahora hay que cerrar las puertas, ¡blam!

Y mientras, siguen cruzando petroleros por el Canal de la Mancha y acabará por llegar otra marea negra. Lo que no vemos es que la mayor marea negra no está en el agua, sino en tierra firme, extendiéndose por toda Europa, quizá por todo el mundo.

Welcome ha sido la ganadora del Premio Lux del Parlamento Europeo, concedido a películas europeas que fomentan la diversidad cultural. Las ganadoras de ediciones anteriores fueron Al otro lado, de Fatih Akin y El silencio de Lorna, de Jean-Pierre y Luc Dardenne.

Un último dato: en Francia, Welcome ha cumplido un año en cartelera.

FRANK

EL CONCIERTO - Sueños afinados

2010-04-26T21:19:00.003+02:00

Hace unos días hablaba con una amiga sobre los sueños. No los de las interpretaciones freudianas sino los que nos hacen tener una ilusión.

Ambas coincidíamos en que los sueños nos hacen sentir vivos al intentar conseguirlos pero que el exceso de romanticismo nos jugó en el pasado malas pasadas que ahora nos hacían ser más racionales buscando siempre un equilibrio, a veces complicado pero no imposible.

Algo así vemos en parte de El concierto el intento de conseguir un sueño que parece un imposible, una búsqueda por restablecer las cosas a como debieron estar 30 años antes, una lucha por la música, por la igualdad, por la belleza, por el sentimiento más puro, por un momento de felicidad y de perfección.

Vemos la amistad, cuando nuestra ilusión desfallece, cuando la razón se vuelve pesimismo y desazón nos encontramos al personaje Sancho, fiel compañero del viaje de la vida de nuestro protagonista atormentado por la injusticia sufrida y que en los momentos de flaqueza le sirve de apoyo para que no se hunda.

Vemos que, cuando un grupo de seres humanos que tienen intereses artísticos comunes se unen, por muy diferentes que sean unos de otros, los nexos que se crean son difíciles de deshacer, pase lo que pase.

El Concierto es a veces fácil, e incluso previsible pero también es agridulce mostrando situaciones ácidas desde una perspectiva tierna logrando emocionar al espectador y consiguiendo que ame a cada uno de los personajes pues están perfectamente afinados en sus papeles tanto los protagonistas como por los secundarios.

Y la sociedad rusa se lleva un buen tomatazo.

Conmueve y hace empatizar siendo imposible no acabar llorando durante la escena final del Concierto para Violín de Tchaikovsky.

BEATRIX KIDDO

LA FUNCIÓN POR HACER - Revelación

2010-04-25T13:45:00.003+02:00

La función por hacer es un artefacto teatral programado para explotar ante la cara de los espectadores como un disparo de nieve, es otra vez la palabra más rápida que el ojo, más eficaz y sobre todo más mágica. Esta adaptación de Seis personajes en busca de autor de Pirandelo, el verdugo del “teatro burgués” del siglo pasado, en la pertinente adaptación de Miguel Del Arco y Aitor Tejada resulta en un brillante cubo de rubik de las esencias de la postmodernidad y de la incólume capacidad de fascinación del teatro, tan vieja ya como el hombre.

La función por hacer es metateatro por el que una pandilla de actores/personajes se dejan la piel en una tormenta de escenas de altísima intensidad emocional, estética, dialéctica y física a base de ensamblar los artificios ideados por un ingenio superdotado y venusiano responsable de que no se le vean los costurones a un frankenstain que al final vive.

Será muy difícil encontrar un espectador que no haya gozado dejándose arrastrar por este torrente de teatro como un gocho en el barro. ¿Qué te apuestas?

ARM

LUCES DE BOHEMIA - Nada es nuevo bajo el sol

2010-04-19T19:48:00.003+02:00

Me quito la capa diciendo que Valle-Inclán es uno de mis autores favoritos.

Me siento contigo, a tomar un vaso de Rute, para decirte que ver una obra suya es siempre un privilegio aunque la mejor representación de Luces de Bohemia fue la que ví en mi mente cuando leí por primera vez la obra, la que me hizo ver el propio Don Ramón Mª.

Alzo mi vaso y, tras un largo trago, tengo el gusto de entablar contigo una redactura (redacción-lectura) en nuestra taberna virtual en la que hoy nos rodeamos de poetas en declive, borrachines, vendedoras de nardos que, en ocasiones se pluriemplean, y algunas otras gentes . Un lugar donde mantenemos pequeños debatse que a veces se encienden.

La versión de la Compañía de Teatro del Temple tiene a su favor a un estupendo Max Estrella (Ricardo Joven) que se lleva de calle a todo el reparto, entre otras cosas porque a veces la dicción le falla a algunos de los actores ya que, con la intención de hacer más castizo y chulesco a los personajes, obligan al espectador a adivinar el texto. Y el texto es lo mejor que tenemos aquí.

El decorado, sencillo y versátil, no le quita protagonismo a los actores pero la música, chirría tanto que a veces le saca a uno de la obra y las mezclas entre lo moderno y lo antiguo en el atrezzo me desconciertan, no sé si es para dejar latente la vigencia del texto o pura modernez.

Valle-Inclán no se ha perdido en la nebulosa del tiempo, nosotros nos hemos estancado, toda España sigue exactamente como entonces, premiando al corrupto y negando al honrado, haciendo honor a los dioses de la tribu. Todo igual pero con internet.

Una obra tan imponente es arriesgada, pero en la vida hay que arriesgarse y yo le agradezco, más que nada, el valor a esta Compañía.

En el Teatro Fernán Gómez - Centro de Arte
Del 15/04/2010 al 02/05/2010
Miércoles a sábado: 20:00h
Domingos: 19:00h

Me pongo mi capa, debo irme ya.

BEATRIX KIDDO

ALICE IN WONDERLAND - No tan Maravilloso

2010-04-17T15:45:00.004+02:00

La historia que nos cuenta Tim Burton, con una Alicia veiteañera y soñadora a la que le han preparado una fiesta sorpresa de compromiso, ya se sabe que las sorpresas no siempre son buenas y menos con un pretendiente como el de la pobre Alicia.

A partir de ahí: La historia de los corsés de los que Alicia quiere librarse desde el principio y que la sociedad trata de imponerle (y de imponernos).

A partir de ahí: La Alicia de Tim Burton (muy suya, por cierto)

Onírica, colorista y también tenebrosa, la revolución contra la tiranía que tanto desea Alicia en su vida real la lleva a cabo en su ¿sueño? ayudada por Johnny “dientes de Madonna” Deep contra Helena " cabecita de alfiler" Boham Carter.

Quien piense que va a ver la Alicia de Lewis Carroll que deseche la idea, porque va a ver otra cosa.

La Alicia de Burton tiene sus momentos pero a mí, puede que por mí gran interés en ella, me ha decepcionado.

Y para el final tengo un JA! Muy grande que espetar a Tim Burton en cuanto me encuetre con él tomando té en algún sueño.

P.D: Si váis a verla en 3D no perdáis el tiempo ni el dinero, como hice yo, no merece la pena.

Está rodada en 2D y luego se pasó a tres dimensiones y hay momentos en los que te puedes quitar las gafas y te quedas tan pichi.

BEATRIX KIDDO

UN PROFETA - La Visión de Vuestras Almas

2010-04-11T23:22:00.006+02:00

Cuando se acaba Un Profeta sientes una mezcla heterogénea de sentimientos: Alegría por haber visto un peliculón, un poco de tristeza porque vas a tardar bastante en ver algo que se pueda equiparar y angustia por lo visto.

¿Quién es ése chico de 19 años que entra en la cárcel, en qué se convierte? ¿Fue siempre así, le empujan a ello o lo que acaba convirtiéndose es, en esencia, una demostración de "el instinto de supervivencia"? ¿Reaccionarías igual?

Una historia que hace que se te pongan los pelos de punta, y que no puedas dejar escapar ciertas imágenes de tu retina, aun hoy sigo teniendo sangre en mis ojos.

La soledad, el poder, la locura y la inocencia del que sigue siendo un niño, todo en un personaje es una maravilla, es fascinante y es doloroso.

La supervivencia, que nos hace sacar el animal que está latente en todos nosotros y acaba destruyéndonos. Qué ironía.

BEATRIX KIDDO

MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES - Clásicos, un arma de doble filo

2010-04-11T18:10:00.006+02:00

Es una comedia de Shakespeare. En otras palabras, es una obra divertida (sobre todo, la parte final, dejando un buen sabor de boca en los espectadores, otra prueba más de la inteligencia del genio), tiene buenos diálogos, ingeniosos, ágiles, y aún hay espacio para alguna reflexión sobre la condición humana, sobre el amor y la amistad, sobre la volubilidad de nuestro caŕacter. Esto es lo infalible de ofrecer una comedia de Shakespeare. Además, en la adaptación breve de Jacinto Benavente no hay tiempo para el aburrimiento.

Por otro lado, al montar una obra tan conocida, de la que se han visto versiones tan diferentes (también en cine), se corre el riesgo de no ofrecer nada nuevo, de que los espectadores se pregunten si era necesaria otra versión más del clásico.

A esta versión le falta ritmo y le sobran partes que te sacan de la obra. Dirigirse al tećnico de luces o explicar cuál era la intención de Jacinto Benavente al escribir la adaptación no creo que sea necesario. Ya lo dice uno de los personajes, Benedicto, el favorito del duque, al principio de la función: "¿Empezamos ya o no?". (¿O es el actor quién lo dice?)

Sin duda, los mejores momentos los ofrecen Paloma Mozo y Tomás Repila en sus discusiones y reconciliaciones como Beatriz y Benedicto.

FRANK

Teatro Fernán Gómez, hasta el 02/05/2010
PRECIO: 14 €; miércoles, 12 €; grupos(10 a 30): 10 €; (+ de 30): 8 €
HORARIO: Miércoles a sábado, 20:30h.; domingos, 19:30h

Más información aquí

SOUL KITCHEN - El Olimpo

2010-04-04T20:55:00.003+02:00

Pues no, no ha sido llamado Fathi Akin por las sinuosas sendas de la comedia fácil y feliz sino más bien por los caminos de la fatalidad, el infierno y la boca del estómago. Es muy probable que Contra la pared y Al otro lado, además de dos contundentes y rocosos objetos de arte, hayan sido paridos como se pare un mamífero, desde las entrañas y con dolor, son tan verdad como el pan y la tierra. Por contraste esto de Soul Kitchen sería más bien un sudoku, un entretenimiento desestresante (para el autor, para mí bastante enervante) propio de una vida acomodada, un ejercicio técnico, desengrasante, gimnástico y quién sabe si económico. Es lo que va de decorar una habitación con papel de flores a pintar el Guernica, del kitsch al arte, de un politono a la Patética de Tchaikovsky. Soul Kitchen es además y sobre todo un juguete bastante averiado y renqueante en el que no funciona casi nada, a pesar de que se pueda olisquear la autoría del crimen en los gritos, en algún trazo de personajes y en muy poco más.

Es exactamente esto, la falibilidad, los vicios, las debilidades, el ánimo de supervivencia (haciendo tres Contra la pared seguidas veo muy comprometida la esperanza de vida de cualquiera) lo que ha hecho muy humanos siempre a los dioses griegos al contrario de los superantipáticos dioses semíticos, tan absurdamente infalibles y acusicas. Por supuesto que Fatih Akin permanece en el Olimpo, precisamente porque es capaz de Soul Kitchen.

(Me parecerá muy bien que este tipo sea feliz, pero el muy maldito nos deja sin Cine... esperemos que se "recupere" y "recaiga" un poco, por el bien del arte...)

ARM

ACTOS DE JUVENTUD - Bonito envoltorio, contenido vacío

2010-03-24T21:01:00.006+01:00

Entro en la sala Cuarta Pared y tengo que atravesar una cortina de humo para llegar a mi butaca. Algo tan simple ya crea expectativas. Esto promete.

Comienza la obra. Un tipo semidesnudo tumbado en el escenario. Monólogo de una voz en off. Largo. Muy largo. Mientras, el actor se mueve lentamente, quizá se despereza, aunque no es seguro. He venido a ver teatro, no radio. Paciencia, paciencia.

Entran los otros tres actores: ya estamos todos.

Juegan.

Se hacen cosquillas.

Comen y beben.

Se echan una pachanga de fútbol.Bastante tiempo. Tanto como para pensar "si me quiero divertir, será mejor que baje a jugar con ellos". ¿Será eso lo que quieren? Justo cuando me voy a levantar, acaba el partidillo.

Siguen jugando.

Siguen tonteando.

Se embadurnan de chocolate y nata...

...y luego se limpian a manguerazos.

Organizan una fiesta.

Entre tanto, cuatro monólogos, uno por personaje, esta vez en directo, aunque con micrófono. En el último, ni siquiera se ve la cara de la actriz.

Una mezcla de performances y disposiciones poético-visuales jugando con las luces y la escenografía. Bonita estética que envuelve un vacío.

Acaba la obra. ¿Qué han querido decir? Siento que, o bien me han vuelto a tomar el pelo, o bien no soy suficientemente inteligente para comprender algo así. No estoy seguro de que se necesite hora y media cuando se puede decir lo mismo en tres cuadritos...

(Fuente: http://tiraese.blogspot.com)

FRANK

LES LUTHER - Los Premios Mastropiero

2010-03-18T22:39:00.005+01:00

Las entregas de premios suelen ser aburridas. Digo suelen porque cuando corren a cargo de Les Luthier dejan de ganarse tal calificativo.

No hay mejor manera de criticar el hecho de que los premios cada vez valoran menos la calidad , para centrarse en otros aspectos, que reflejarlo en una parodia, que llevarlo a la hipérbole (me encanta este recurso) que verlo tan cerca de nuestras caras que se pueda oler, tocar y escuchar.

Poco más se puede pedir a un espectáculo que inteligencia, humor, buena música y complicidad . Porque, Les Luthier, son unos tipos, ya añejos, que no sólo sacan música de cualquier sitio sino que son capaces de tocar varios intrumentos a la vez , de tocarlos bien y de, por supuesto, pasárselo bien juntos,.. ¡¿qué digo bien?! ¡se lo pasan como enanos! de ellos salen chisporroteos de amistad y se nota en escena.

No me parece el mejor espectáculo que tienen pero sí hay momentos muy brillantes y el bis que se marcan es una maravilla, mis pies y mis manos seguían el ritmo bluesero que dictaban con sus intrumentos caseros.

Una apuesta segura.

"No importa cuánto te merezcas el premio sino cuánto hayas pagado por él"
(L.L.)

BEATRIX KIDDO

UN PROFETA - Audiard es Dios y Rahim su profeta

2010-03-17T19:08:00.007+01:00

Al terminar la película he querido celebrarla como un gol de champions en el último minuto … me ha aplacado la cara del acomodador.

Sospecho y espero que esta película se vaya a convertir en un referente del cine de su tiempo, en una piedra miliar con antes-y-después, exactamente como Los cuatrocientos golpes, como El padrino. Para mí la prueba de fuego del cine absoluto consiste en no querer salir de una película, no sólo desear que no acabe sino quedarte a vivir en ella. Esto ocurre muy pocas veces y Un profeta es una de ellas.

En cine como en literatura hay dos retos mayúsculos: uno es crear el mundo completo, una cosmogonía; el otro es la biografía, darle vida a un personaje, dotarlo de carne y huesos, como aquí que te meten en los pantalones de un desgraciado y desde ahí, el mundo entero.

Es evidente que hay artistas que han cerrado un pacto maléfico con el diablo, como Audiard, porque de otro modo no se puede saber tanto, tan bien y poder contarlo. ¿Cómo se consigue que los corsos de la mafia actúen para ti o meter en la cárcel a los espectadores? ¿cómo se sabe todo sobre el tráfico de heroína y cómo visten, qué caras tienen, qué dicen los tipos más escorados de la sociedad? ¿cómo se recrean los mundos? ¿cómo se convierte el cine en realidad? ¿Es Tahar Rahim, el protagonista novel, un actor o es su personaje? Si al acabar la película, al despertar, hubiera estado dentro de la prisión de “La central” lo hubiera vivido como lo más natural del mundo.

Audiard que había presentado sus poderes con la brillante De latir mi corazón se ha parado, ha heredado los potentísimos recursos del cine francés (y quizás europeo) para rodar con verdad por delante dejando a un lado el preciosismo técnico pero en lugar de dedicarse a deliciosas elucubraciones burguesas, a dialécticas de vino y rosas, a los existencialismos de salón confortable propias del cine francés, el tipo se ha bajado a las catacumbas manteniendo esa misma sobriedad y autenticidad en el trato de las imágenes y los personajes, manteniendo un pulso imposible entre la realidad y la fascinación de la cámara, sin concesiones: esto es la vida…

Sin ceder a ningún tópico que recuerde que se trata en realidad de una película, sin caer en la tentación de cualquier sensiblería, le da un respiro a una poética brutal, dosificada, sincera, mágica, simbólica y profética, ajena a todo esquema predecible, aliñada con una economía musical precisa e imprescindible. No hay lectura de drama social, ni moraleja, sólo hay músculo, latido, hay sangre a borbotones corriendo por la cinta, se percibe una respiración al otro lado de la tela: un profeta.

PD: ¿Es esto El padrino del cine francés? ¿Es la Celda 211 francesa? ¿A cuántos kilómetros/años/eones está el cine español de poder hacer esto?

PD2: Oigo ecos de la descomunal Contra la pared (F. Atkin): ¿será el nuevo “gran arte europeo” hijo (como siempre) del mestizaje? ¿Son las estirpes de Le Pen, Wilders, Fini, Haider perfectamente estériles?

ARM

LA TELEPORQUERÍA, S.L. - No da para tanto

2010-03-17T00:51:00.002+01:00

Podría parecer que hay mucho que decir sobre la telebasura a la que nos tiene acostumbrados la televisión. Pero, en realidad, se resume en eso: es mierda. Una hora y media de monólogo sobre lo que apesta el medio parece, por tanto, excesivo. Y no es que no haya que darle la razón a Pepe Garamendy, que la tiene, sino que hay que inventar otra vuelta de tuerca si es que se quiere volver sobre un tema tan manido. No vale con contar (con más o menos gracia) lo que se ve al encender la caja tonta. ¡Y ya está bien de "implicar" al público en el espectáculo! Señores: son ustedes los profesionales y nosotros los que vamos a verlos y a pasar un rato divertido. Hagan su trabajo y dejen al público en paz.

Con todo, mucho mejor ir a ver este espectáculo que quedarse en casa viendo la tele. (¿Es obvio?)

FRANK

Teatro Fernán Gómez
DEL 10/03/2010 AL 04/04/2010
Miércoles a sábado, 20:30h. Domingos, 19:30h.

PRECIOUS - Qué injusto es el mundo del cine

2010-03-15T21:05:00.003+01:00

Lo siento, pero unas enormes interpretaciones no salvan una película. Hay que reconocer que todo el reparto, sin excepción, brinda un trabajo actoral espectacular (incluyendo las dos estrellas de la música que realizan sendos cameos) principalmente la protagonista, Gabourey Sidibe, y, en el papel de su madre, Mo'Nique, con una secuencia final que pone los pelos de punta.

Pero precisamente por contar con unas actrices tan impresionantes tiene más delito arruinarlo todo con esa dirección sin sentido hasta el punto de que la cámara bajaba hasta las manos de la actriz sin ninguna razón y ese montaje arrítmico que impide estar dentro de la historia por más de veinte minutos. Alumnos de montaje de cine: vean Precious para aprender cómo no montar una película.

FRANK

MADRE CORAJE Y SUS HIJOS - Desastres de la guerra

2010-03-15T11:20:00.010+01:00

No entiendo muy bien por qué tratándose (parece ser) del mismo director, a veces salen cosas tan torciditas en el CDN. Esta Madre Coraje y sus hijos lo tenía todo a favor: el teatro Valle Inclán, la pasta del CDN, la firma de Brecht, la adaptación de Buero Vallejo, la escenografía… y resulta sin embrago un destrozo de notable alcance desde el primer minuto de obra en el que abre la boca la omnímoda protagonista Madre Coraje con una declamación más propia de los cómicos de la legua y que asombrosa poderosamente en un actor de teatro de los años dosmiles, una impostación caricaturesca que resulta muy molesta porque suena casi a cachondeo, y a partir de ahí no se entiende demasiado el hilo argumental de unos hijos como castillos que van siendo reclutados para la guerra (aunque parecen más en edad de retiro) y todo lo sucesivo con personajes y peripecias que uno no acaba de comprender si es puro simbolismo, elevado surrealismo o simplemente un esforzado desguace de la criatura de Brecht sobre los desastres de la guerra para quedarse en desastre a secas.

ARM

Corazón Rebelde - Perdiendo Pulso

2010-03-14T14:34:00.005+01:00

El corazón de Bad Blake (Jeff Bridges) tiene cincuenta y siete años y rezuma alcohol, dolor, country, nicotina, hamburguesas y bares de carretera oh yeah!.

Pareciendo haber perdido todo en la vida de repente la cosa cambia y hasta se nos enamora el chico (lo de chico es un decir), una parte de la historia que queda muy bonita y que resulta fundamental pero que no hay quien se trague por mucho que el amor sea ciego.

Pero el corazón de Corazón Rebelde necesita un marcapasos. En ocasiones late sin problemas, al son de una banda sonora que, sin gustarme el country, ha conseguido que me apetezca oírla una y otra vez más.

Pero en otras circunstancias, el corazón se para y late leeento... las arterias se obstruyen de tanto colesterol, y nicotina, los temas y cómo éstos se solventan resultan más que previsibles y parece que a alguien le va a dar un infarto. Y ...cuando todo parecía perdido, a Corazón Rebelde le hacen un cateterismo y lo dejan como nuevo.

Intente usted comer perdices, le dicen como terapia a sus males a nuestro Bad, pero por fortuna o por desgracia las cosas no son tan sencillas.

BEATRIX KIDDO

CORAZÓN REBELDE - Empatía

2010-03-13T01:00:00.001+01:00

Empatía, dice el DRAE, es la "Identificación mental y afectiva de un sujeto con el estado de ánimo de otro". La hija de unos amigos, de menos de dos años de edad, rebosa empatía. Hasta el punto de que, si tú toses, ella tose. Bien, ésa es la máxima aspiración de cualquier contador de historias: que el espectador se sienta completamente identificado con el personaje de ficción que ha surgido de su mente.

¿Por qué nadie cuenta la historia de un tornero-fresador (Almodóvar, dónde estás cuando se te necesita....)? Probablemente, el espectador medio no se sentiría identificado con él. Y, sin embargo, se puede empatizar (¡otra vez esa horrible palabra!) con un gladiador romano, con Luke Skywalker- aunque seamos sinceros, preferimos al bandido Han Solo- o, incluso, con un pez que busca a su hijo Nemo.

Llegados a este punto tenemos que recurrir a la universalidad. Los sentimientos, las debilidades, las motivaciones del ser humano que persisten en cualquier época y lugar. Y, sin embargo...

Seguro que a un músico de country alcóholico la historia que se cuenta en Corazón rebelde le llegará hasta la médula. Y supongo que cualquier músico se empatizará en mayor o menor medida. Y también cualquier alcohólico. Y, en fin, cualquiera que tenga una lucha interna sobre lo que de verdad importa en la vida.

Y sí, Jeff Bridges es un pedazo de actor. Pero esto no es nada nuevo. Pero, claro, no le iban a dar un Óscar por interpretar a un porrero cuya máxima aspiración es ganar a los bolos.

FRANK

EL ARTE DE LA COMEDIA - Teatro sin aditivos

2010-03-10T11:07:00.003+01:00

La primera parte de la función se alarga y algún espectador puede rebullirse en su butaca. Pero la paciencia, en este caso, es una virtud, y después de sentar las bases del juego, El arte de la comedia te atrapa sin remisión hasta el final, aprisionado en los pequeños ¿o grandes? dramas de una ciudad de provincias (y en el pequeño ¿o gran? drama de una compañía de teatro), tu mente trata de dilucidar si todo es una mentira que representan los actores o es la realidad que se ha colado por una rendija y se ha instalado en el escenario; quizá, después de todo, seamos nosotros los actores y el mundo de la farándula, la realidad más verdadera.

El arte de la comedia es un montaje clásico, donde no encontraremos la más mínima innovación en lo que ahora parece que hay que llamar las artes escénicas y antes se llamaba teatro. Porque, ¿para qué? A veces, parece que tanta innovación, tanta originalidad, tiene como objetivo esconder la vacuidad de la propuesta. Y aquí no se necesita esconder nada. Una puesta en escena sobria y realista, unos magníficos actores, desde Pedro Casablanc, que soporta con firmeza toda la obra, hasta el último actor del reparto, y un buen texto. Se muestra lo que hay sin caretas, sin aditivos. Y lo que hay, gusta.

FRANK

ROCK´N´ROLL - Rock del bueno

2010-03-09T10:46:00.009+01:00

En el Matadero, ese improbable teatro ideal, están representando Rock´n´roll de un tal Tom Stoppard. Se trata de algo muy parecido a la biografía de un checo (como el autor) emigrado a Londres de niño en los años 60, o sea que se trata de la biografía exterior, parcial e involuntaria del Mayo de 68 y su Primavera de Praga, del comunismo intelectual, del stalinismo real, del trotskismo, el desencanto, el eurocomunismo, los hippies, Pink Floyd y el Rock´n´Roll. Todo en forma de la historia profundamente emocional de cualquiera, que si se cuenta tan bien como aquí resultará épica y bella.

Rock´n´roll es quizás la obra de teatro que haya visto más parecida a una película de cine, tendrá que ver con el apabullante montaje de Alex Rigola en el que un escenario casi estático, abierto al público por ambos lados y situado en medio de la sala se convierte en un auténtico paseo por Europa de los 60 a los 90 sin bajar el telón, sin apenas hacer nada, sólo magia: un paseo por la vida de alguien.

Rock´n´roll es una obra brillante, o sea emocionante que es a lo que vamos, pero vertebrada sobre un intercambio dialéctico, sobre un boxeo intelectual delicioso y contundente, representado, integrado y sentido por unos actores que parece podrían seguir hablando y hablando, defendiendo sus marxismos, sus existencialismos, sus anarquismos al bajar del escenario. Si esto lo imaginas con Wish You Where Here de Pink Floyd en la acústica brutal del Matadero, es lo más parecido a meterte en los músculos y la piel del protagonista, a vivir un concierto de rock´n´roll/teatro.

Dos argumentos más: Lluís Marco, sólo este actor justifica la entrada. Si además te gusta Milan Kundera es probable que tengas que ir.

ARM

Precious. XXL

2010-03-05T13:48:00.002+01:00

Dicen que el director Lee Daniels buscó a la protagonista de Precious lo largo y ancho del país, hasta que un buen día aterrizó en un Mc Donals cualquiera y allí estaba ella, sirviendo hamburguesas detrás del mostrador. Seguramente el papel de una chica negra, analfabeta, pobre, violada y con dos hijos no era el personaje más goloso para una debutante, pero gracias a él, Gabbi Sidibe pasea ahora su cuerpo serrano por todas las alfombras rojas y ha olvidado el olor a fritanga. Precious es una auténtica bajada a los infiernos, una familia cuya psicótica madre insulta a su enorme hija, violada por su padre con el que ha tenido un hijo con síndrome de down, que la abuela trae a casa antes de que la asistenta social aparezca para no perder el subsidio. Sin recursos, sin futuro y sin presente Precious sueña con un novio guapo, de piel clara y buen pelo, que cante con ella en el coro de la iglesia y le acompañe a las sesiones fotográficas. Pero la realidad que ha creado para ella el mundo es bastante distinta. Una versión XXL de Amelí donde la protagonista encontrará refugio en sus propias fantasías y en algunas personas bienintencionadas. Precious es el gran poso de esta sociedad miss América, una película de denuncia que el propio sistema se encarará de fagocitar y digerir –de esto hablamos ARM y yo hace tiempo-, y si no vean el glamour con el que se pasean sus protagonistas por los festivales, haciendo gala del sueño americano en el caso de protagonista. Es como una gran broma. Buena película, eso sí.

Pitu

SHUTTER ISLAND - El tocomocho

2010-03-05T11:05:00.007+01:00

Según la RAE en castellano Chuterislan significará exactamente: tocomocho, timo, engañifa, tongo. El caso es que el tocomocho y sus derivados eran en esencia artístiscos, elegantes y sutiles. Chuter Islan consiste más bien en un berenjenal de puta madre, una ensalada de guión que cuando la historia ya le da dos vuelta por el cuello al ínclito autor y apunto de ahogarse con ella lo resuelve con el siempre socorrido coñac-pal-gollete y sigue funcionando tan campante, siempre pa lante que mirar atrás y ponerse a desenredar es de cobardes. El emplasto resultante, compuesto de los tópicos más gruesos del cine de “suspense y terror psicológico” con miras a levantarte la camisa y con ello el precio de la entrada es de un zafio preocupante tratándose de un pavo que firma con el pseudónimo de Scorsese.

Imagino muy bien a Copola y Scorsese muertos de risa en el bar de la tercera edad Glorias del Cine viendo de seguido Tetro y Chuter Islan y ahogándose de la risa. No cabe otra.

ARM

LA CINTA BLANCA - El tren de la bruja

2010-03-05T10:56:00.004+01:00

No puede ser otra cosa más que la distancia entre las expectativas y el butacazo puesto que todo el mundo asegura que se trata de una obra maestra, entre el acojone que uno traía para ver otra peli del sádico director de La pianista y el miedo que da el tren de la bruja.

Está claro que La cinta blanca es una película de factura (pretendidamente) elegante, esforzadamente sobria, minuciosa, gélida, de barrocos y tenebristas claroscuros; y es evidente que es una película inquietante de personajes muy marcados, trazados a fuego, moldeados en un sarcófago, de sufridores torturados, oscuros y crueles, víctimas y verdugos representados por actores arrolladores.

Lo que no está nada claro es que no se trate de una película esencialmente fallida que opta por un guión tradicional, con hechuras de cuento, de narración lineal por la que te arrastra un narrador hasta dejarte en mitad de nada, en un cierre inexistente, en un destino prometido que no existía con la consecuente sensación de estafa a la que se suma la irritación de constatar que no había más que lo que se ve en el maldito primer plano.

Ojalá simplemente el oscuro Haneke nos hubiera paseado por ese maldito pueblo y por las casas de sus oscuros moradores, ojalá no hubiera querido contar un cuento cutre, hueco y más obvio que lo de La Veneno.

ARM

UN PROFETA. La caída de un imperio

2010-03-02T16:07:00.001+01:00

Hacía tiempo que no disfrutaba tanto de una película como con la última de Jacques Audiard, cineasta adorado en Francia como renovador de su cine y aclamado reventador de géneros, como le describió Javier Ocaña hace poco. De sus cuatro anteriores películas he visto De latir mi corazón se ha parado, un genial thriller en el que violencia y lirismo se mezclan a través de un mafioso con sensibilidades musicales. Audiard nos lleva con su nuevo trabajo, que arrasó merecidamente en los últimos César, a una prisión francesa donde un joven analfabeto y sin recursos sobrevive en el complicado tejido mafioso formado por nacionalistas corsos, árabes, narcotraficantes y vigilantes corruptos. Mientras el protagonista –de origen árabe- es repudiado y utilizado a partes iguales por todas las camadas, comienza un ascenso en el organigrama carcelario al mismo tiempo que convive con su fantasma que ,a modo de Hamlet, le persigue en su pequeña celda. Una fantasía que conecta con su anterior película y que consigue mezclar de una manera fluida y original elementos tan complicados de casar, sin perder el ritmo y la tensión durante todo el metraje. Dos horas y media para mostrarnos la caída de un pequeño imperio –corsos- y el ascenso de los nuevos invasores –árabes- a través de unas luchas de poder que, como en el Padrino, acabarán en una guerra abierta de traiciones y venganzas que harán llegar finalmente el manto púrpura a los nuevos bárbaros.

Pitu

AVATAR - El poder del márketing

2010-02-27T18:41:00.005+01:00

No sé si algún día llegará una película en 3D que revolucione el cine, pero desde luego Avatar no lo ha conseguido. De hecho, no apuesto por que se hable mucho de ella dentro de unos cuantos años. Se trata de un filme para niños (ni siquiera para adolescentes) repleto de clichés en el que la máxima innovación es, claro, el 3D, un formato muy novedoso (?): se inventó en 1922 (The power of love). Pero la capacidad de persuasión sobre las masas (hay que volver a leer a Marcuse (1), señora) es tan poderosa que, si se te ocurre confesar que Avatar te ha aburrido desde el minuto diez, resulta que eres un intelectualoide, un radical y que sólo te gusta el cine iraní y alguna película coreana (argumento de una lógica aplastante).

Como digo, no hay un solo tópico que no se utilice en el argumento y los personajes. Desde la caída del caballo para que la princesa se ría hasta la rivalidad del héroe con el gran guerrero de la tribu, prometido, claro está, de la princesa, pasando por que sea el elegido para llevar al pueblo a una nueva era. Desde el momento en que el comandante de los marine le encomienda la misión, ya se sabe qué va a ocurrir en lo que queda de película. Y esto ocurre en el minuto veinte, es decir, que aún tienes que tragarte más de dos horas de imágenes en 3D donde no encontrarás ninguna sorpresa.

Y para más inri, se sospecha del plagio de un relato del escritor Poul Anderson.

Ni siquiera ha sido capaz este gran contador de historias que es James Cameron (2) de ir más allá de lo que vemos en televisión todos los días: los marines estadounidenses masacrando un país por algún recurso energético.

Algunos momentos inolvidables: el comandante dirigiendo una ofensiva aérea con una taza de café en la mano o aguantando un fuego sobre su hombro durante varios minutos para, al cabo, apagarlo con un par de palmaditas.

Si queréis un cuento para niños (y adultos), mejor Aladín, mucho más divertida. Si queréis ver una película de guerra crítica con la política exterior estadounidense, mejor La chaqueta metálica. Si queréis ver un extraño entrando en una tribu y luego luchando contra los de su propia cultura, Bailando con lobos o La Misión. Si queréis ver una fábula del futuro con una pizca de filosofía, Matrix. Y si queréis ver una película ecologista, La selva esmeralda, de John Boorman.

Si queréis llevar al cine a los niños, Avatar les gustará seguro. ¡Y con imágenes en 3D, guau, qué chulo!

FRANK

(1) "...el arte está distanciado, pero no separado de la realidad porque está mercantilizado, por lo tanto, no se puede utilizar como medio de evasión porque está bajo el control de la clase dominante" (artículo sobre Marcuse en la Wikipedia).

(2) "James Cameron escribió un scriptment de ochenta páginas sobre Avatar en 1994 y según sus propias palabras lo hizo en tan sólo dos semanas" (artículo sobre Avatar en la Wikipedia).

INVICTUS - El chamán

2010-02-24T11:00:00.004+01:00

Tras la derrota nazi en Alemania, ¿habría que haber mantenido la bandera con la esvástica en aras de una reconciliación nacional? En la Santísima Transición Española lo hicimos, nos quedamos con la bandera del hombrecillo de voz aflautada, sin gallina eso sí: un camino intermedio.

En Invictus la hipnótica presencia de Morgan Freeman/Mandela convence al pueblo/espectadores de que a los hasta ahora verdugos afrikáner (rubios y racistas) deben mantener su bandera en todos los mástiles y su blanqueado equipo de rugby nacional, símbolo hasta entonces de su muy nazi apartheid. El argumento es que sin los rubios (que son los que tienen la pasta y los que saben escribir) el país se va al garete, así lo explica Mandela/Freeman en una frase, aunque el argumento principal en la película es más bien el épico, el de la emoción de la victoria en el rugby, el de Disney.

Como sea, se trata de una peli sencilla, plana, especialmente luminosa, eficaz, honesta, veraz y sin grandes pliegues de complejidad ni de arrebato. Hubiera preferido una cala un poco más profunda para el chulazo de Eastwood, pero no todo va a ser Million Dolar Torino.

ARM

EN TIERRA HOSTIL.Vuelta y vuelta

2010-02-22T20:24:00.006+01:00

Katheryn Bigelov acaba de tumbar a su ex, James Cameron, en la última edición de los BAFTA gracias a En tierra hostil, quién sabe si gracias al inminente cambio en el gobierno británico que protagonizará el otro Cameron, David el yupi. Porque si Avatar es un gran collejón de la industria cinematográfica a las actuales guerras por petróleo, En tierra hostil es una mirada más ambigua y reflexiva sobre la carne de cañón americana, con un final más que cuestionable. Bigelov consigue un retrato seco como el ajo gracias una mezcla de estilos entre el hiperrealismo documentalista y el videojuego, tan utilizado últimamente y tan sugerente a la vez. Y para ello se sirve de una compañía especializada en la desactivación de explosivos que vive sus últimos días de batalla antes de su relevo. Una espantosa rutina que parece atormentar a todos salvo al cowboy de turno –Jereme Renner- que pone la salsa con sus continuas patadas al reglamento del marine prudente. Como si lleváramos un pesado uniforme por las dunas del desierto, la película nos transporta a una tierra tan desconocida para estos jóvenes como ignorada. Uno de los mejores dramas bélicos de los últimos tiempos que en lugar de centrarse en el sinsentido de la guerra a través de la reflexión de sus personajes, la locura o la cuidada fotografía –Apocalipsis Now, La delgada línea roja, Salvar al Soldado Bryan...- sirve un puñado de tierra vuelta y vuelta que el espectador mastica lentamente en la sala mientras, simultáneamente, un gran pepino cae en el mercado de alguna ciudad impronunciable. Cosas de la posmodernidad. Una gran película si no fuera por un epílogo maquiavélico que trasmite mucha indulgencia con estas barbaridades bárbaras. Que la guerra es mu perra.

Pitu

UP IN THE AIR - El hombre del café

2010-02-22T10:58:00.005+01:00

Si hay un tipo que hace bien de George Clooney, ése es George Clooney: un genio, insuperable en eso.

Up in the Air es una peli que provocará una cierta extrañeza en el espectador errante y una cierta incomodidad en el que iba convencido de encontrar una comedia romántica del chulazo de Nescafé: el chulazo sí está, protagoniza todos los planos haciendo precisamente del señor que toma Nescafé (a precio de vegasicilia) y que aparece fotografiado en la parte trasera de todos los autobuses del redondo mundo.

¿Por qué este hombre hace de sí mismo? Porque tiene mejores cosas que hacer que aprender interpretación, porque no tiene ni pajolera idea de hacer otra cosa y porque eso le hace más millonario y más guapo.

¿Por qué una peli tan rara? Creo que quiere seguir siendo guapo, millonario, cafetero y ahora además, (parecer) listo.

La peli es rara porque el envoltorio es de bajo presupuesto (o sea, no hay exteriores) lo cual resulta un tanto asfixiante, sin ser de bajo presupuesto porque hay que contratar al hombre del café-boutique. Parte de la culpa es del éxito de la anterior cinta indie (o sea, de bajo presupuesto) del director, Juno, el resto de la culpa es de la novela en la que está basada, típicamente “actual” en el peor sentido (léase “descubrir la mantequilla en el 2010”).

Up in the air es un relato moderno, donde el tipo con un trabajo genuinamente moderno, se encuentra perfectamente vacío, cosa ya no tan moderna. O sea.

PD: El tipo se dedica a despedir a gente por todo el país, ni una reflexión política al respecto. ¿Qué fue de Marx y de aquellos descamisados/sindicalistas? Esto con Franco/Eisenhower no pasaba.

PD2: El que se ha enterado de algo, por supuesto: Frank

ARM